Para acompanhar o fim do ano de 2025, uma suite de Khachaturian , designada "Masquerade": Pareceu-me adequada, não apenas musicalmente, também enquanto ilustração literal* de certos momentos do ano de 2025 .
A suite inicia-se com uma valsa, que faz pensar na Valsa n°2 da "jazz suite" de Shostakovich, embora as duas sejam muito diferentes. Na realidade, o que as une, além de ambas terem sido compostas por autores soviéticos, é terem sido compostas para certos filmes e posteriormente terem sido «recicladas» noutros filmes.
O compositor arménio é recordado, sobretudo, pela "Dança dos Sabres". Porém, a sua vasta produção tem sido relegada a um quase esquecimento. Vários compositores de talento são vítimas deste tipo de injustiça - o conjunto da obra é ignorado, enquanto apenas uma peça se torna célebre.
Khachaturian, por sinal, tem uma rica e diversificada obra. É o compositor da Arménia mais importante do século XX. Ele incorporou nas suas obras traços de folclore da Arménia, do Cáucaso, da Europa do Leste e Central.
Neste blog, temos dado a conhecer o célebre e o obscuro, sempre guiados pelas nossas preferências estéticas. Assim, esta obra de Khachaturian parece-me perfeitamente adequada para a rubrica «Segundas-f. musicais».
Abaixo, alguns links que permitem conhecer a biografia, assim como algumas das obras do grande compositor arménio.
Vale a pena aprofundar o conhecimento da obra de Khachaturian.
No vídeo acima, relata-se um episódio do fim da vida de Franz Liszt (70 anos): Uma lição em que ele utiliza «La Campanella» para explicar que é preciso estar completamente concentrado na música, para superar as dificuldades técnicas.
No vídeo também é referido que os jovens pianistas desejavam ser seus alunos, para colocar no curriculum que "tinham aperfeiçoado a sua técnica com Liszt" (!)
Esta peça de Paganini é surpreendente: Foi erigida em símbolo de virtuosismo inultrapassável. Uma espécie de «certidão» do talento e agilidade do violinista ou do pianista.
Abaixo, dois artigos que escrevi neste blog e relacionados com «La Campanella» e com o aproveitamento de temas por compositores, usando- os como fonte de inspiração.
A acrobacia musical não é o que mais me entusiasma; admito porém que a «performance» duma peça reputada muito difícil, é o que atrai mais as pessoas. Vêem nisso um «prodígio». Mas, o treino musical não deveria ser equiparado ao desporto, onde se treina a rapidez, a agilidade, etc. Porque a musicalidade consiste em fazer com que, numa dada peça, sobressaiam os aspectos originais, profundos e belos: Assim, um adagio pode bem ser de execução «transcendental», para utilizar o título da recolha «Estudos de execução transcendental» de Liszt.
...Quando surgiu como um furacão nos Estados Unidos, este fenómeno não me impactou, porque era um menino e vivia num país afogado em censura, hipocrisia e convencionalismo. Tudo o que fosse ou se assemelhasse a rebelião, mesmo que apenas em canção, era banido da rádio. A rádio era o meu veículo de contacto com a música rock e pop, que estava operando uma «revolução sonora» e também comportamental, nos adolescentes da época.
Mas, o facto é que a fama de Elvis Presley era tão grande, que derrubava muitas barreiras. Eu, por volta dos dez anos, preferia os Beatles e os Rolling Stones, mas não deixava de prestar ouvido atento a Elvis Presley.
Ele era, não apenas idolatrado, como incendiava os corações das moças. O seu reportório de canções românticas, sobretudo, derretia as meninas adolescentes, mais do que as canções de rock endiabrado e irónico, que também eram a sua marca.
No decurso da minha adolescência, Elvis Presley já se transformara, perdendo muito do impacto inicial, mas isso não é surpreendente, é mesmo a norma, nas carreiras da maior parte dos ídolos. No entanto, a memória de Elvis perdurou, muito para além da sua vida.
Não há muitos outros, no rock e pop, que conservam na minha memória a frescura que Elvis transmite.
Hoje, decidi seleccionar algo que é, por definição, subjectivo escolhendo apenas 12 canções de que gosto. Nem todas são grandes sucessos comerciais. Cada pessoa terá a sua lista própria de canções preferidas.
A sinfonia é um género musical, que teve uma evolução muito rápida na época clássica.
O típico exemplo de «sinfonia clássica» possui 4 movimentos: um allegro inicial, um andante ou adagio; um scherzo (ou um menuet) e um final (presto ou allegro molto). Esta codificação, como todas em música, pode sofrer pequenas variações. Por exemplo, a sequência acima descrita pode ser antecedida por um breve andamento lento e solene...
As sinfonias que aparecem antes da época clássica, possuem o mesmo nome, mas francamente não pertencem ao mesmo tipo de música. Receberam o nome «sinfonia», no sentido de serem peças em que os vários instrumentos formam conjunto. Mas, de resto pouco mais têm em comum. A designação de tais peças tornou-se comum em óperas já no tempo de Monteverdi, sendo depois muito frequente aparecer em oratórias e cantatas. Haendel e J.S. Bach compuseram sinfonias no sentido antigo do termo. Carlos Seixas e Vivaldi, seus contemporâneos, usaram o termo no mesmo sentido.
As primeiras sinfonias no sentido moderno são devidas à escola napolitana, com Alexandre Scarlatti e seus discípulos. Nesta época (por volta de 1700) o termo era intercambiável com o de «Overture». De facto, muitas aberturas de óperas tinham a designação e estrutura da sinfonia.
Foi a escola Checa com Johann e Carl Stamitz, que no século XVIII codificou a sinfonia: os andamentos, os naipes de instrumentos e a unidade temática de cada andamento.
O célebre e cosmopolita Johann Christian Bach, filho de João Sebastião, fez carreira em Milão e em Londres. Ele compôs sinfonias e concertos para orquestra com solista. A sua criatividade e seu saber transparecem nas sinfonias, pelo equilíbrio entre a tradição do barroco e o estilo galante.
Mas, foram Mozart e Haydn que elevaram a sinfonia ao estatuto de composição de grande significado, de monumento revelador dos recursos do compositor e que punha à prova a qualidade dos instrumentistas e do maestro.
Cada exemplo abaixo, justificaria extenso comentário. Mas, decidi cingir-me apresentar as peças, esperando que a curiosidade do auditor o leve a procurar elementos sobre elas e seus respectivos compositores.
A música cigana é pouco conhecida, fora dos círculos interessados na cultura da etnia cigana. Porém, tal como outras manifestações originalíssimas da alma cigana, esta música contribuiu muito para a cultura europeia, não apenas no folklore e no jazz, mas na música erudita* também.
Esta música é poucas vezes correctamente valorada, pois é expressão da cultura de um povo minoritário e nómada, recebendo desprezo racista, desde as épocas mais recuadas, duma parte dos povos sedentários, por onde passavam.
Aqui, escolhi versões de músicas muito conhecidas, por interpretes que eu aprecio, independentemente de serem, ou não, ciganos.
Deliciem-se - como eu - perante o rico manancial de talento e originalidade.
Basilic Swing - "As Duas Guitarras" (ao vivo)
Django Reinhardt - Les Yeux Noirs
Solo de Cimbalon por Jeno Farkas (Hungria)
Paco de Lucia - Entre dos águas
*É bem conhecida a influência de música gitana na obra de Brahms
Este meu texto é para confessar a minha ignorância.
Eu sei que existem escolas nacionais no continente Sul e Centro Americano; que há imensos intérpretes que divulgam em concerto e disco as composições destes latino-americanos.
Sei também que a música «erudita» desses países incorpora naturalmente muitos elementos de folclore tradicional destas regiões. No entanto, o meu foco de estudo tem sido a música «clássica» europeia, em especial o barroco, o classicismo e o romantísmo.
Isso deve-se à minha educação; ao que tive oportunidade de aprofundar nos anos formativos da minha vida. Mas, reconheço que este etnocentrismo é - afinal - um empobrecimento ao nível pessoal e do público nos países europeus, em geral.
Bachianas Brasileiras No. 5 • Villa-Lobos • Barbara Hannigan
Encorajo as pessoas que me lêem a procurar ativamente as obras de Villa-Lobos, como de outros geniais compositores da América Latina: Do México, até à ponta Sul do continente, da Argentina e do Chile.
Márquez: Danzón Nr. 2 ∙ hr-Sinfonieorchester ∙ Andrés Orozco-Estrada
Tenho copiado obras de compositores latino-americanos para este blog. Pode considerar estes exemplos como um estímulo para descobrir outras jóias musicais da América Central e do Sul.
A primeira peça é uma Allemande da suite francesa BWV 815. Ela é interpretada por Robert Hill, num cravo com registo de alaúde.
A suite instrumental no tempo de J. S. Bach, era constituída por danças estilizadas (Allemande, Courante, Sarabande, Menuet, Gigue), às quais se juntavam, frequentemente, peças facultativas. Nesta categoria, incluiam-se danças como a Bourrée, o Rigaudon, etc. Mas, também eram frequentes, sobretudo nos cravistas franceses (François Couperin, J-P Rameau, etc), outras peças, homenageando uma personagem, a quem o autor dedicava a partitura.
Na sequência de danças estilizadas da suite, a Allemande costumava ser a primeira peça. Mas, por vezes, esta sequência de danças era antecedida de um preâmbulo (ou prelúdio).
O número de suites para alaúde que Bach deixou para a posteridade não é elevado. Algumas suites para violoncelo solo foram transcritas para alaúde, por Hopkinson Smith. Estão em conformidade com a prática da época barroca de não limitar a interpretação duma peça, a um instrumento em particular; muitas peças podem ser interpretadas noutros instrumentos (diferentes do habitual), com as devidas adaptações.
As suites de Bach para o alaúde iniciam-se com um prelúdio. O prelúdio destinava-se a criar um ambiente, desenvolvendo uma sucessão de acordes, habituando o auditor à tonalidade geral da suite. Além disso, permitia verificar a afinação do instrumento. A afinação «desigual» ou «não temperada», permitia ao instrumentista adequar a afinação do instrumento ao caráter da peça que ia interpretar: Esta prática desapareceu na música ocidental; encontra-se apenas na música clássica da Índia, nas ragas indianas, com as centenas de escalas diferentes e as diferentes afinações do instrumento, que se combinam segundo o caráter da peça e o gosto do instrumentista.
No vídeo abaixo, podemos ouvir o Prelúdio da Suite para alaúde BWV 998 pelo alaúdista Luciano Contini.
A terceira peça, igualmente interpretada por Robert Hill, é o magnífico prelúdio em Si menor BWV 923. É um exemplo típico de «stylus fantasticus», que simula a livre improvisação, habitual nos organistas, cravistas e alaúdistas barrocos.
Nesta época, o músico profissional tinha de ser proficiente na improvisação. O caráter improvisatório traduz-se em profusões de escalas, de acordes decompostos e de mudanças rítmicas e/ou de andamento, dentro da mesma peça.
Os dotes de improvisador do jóvem Bach devem ter sido um dos fatores decisivos para obter, por concurso, o posto de organista titular na Igreja de S. Blasius de Mühlhausen
A voz de Billie Holiday tem-me acompanhado nos bons e maus momentos, como se fosse uma secreta mensagem, dando-me coragem ou alegria, conforme as situações...Porque tudo me soa perfeito nestas gravações, a voz e o acompanhamento dos músicos. Uma «cançoneta na moda», interpretada por ela, transforma-se num pequeno cofre cheio de joias. Confesso-me incapaz de fazer uma lista definitiva das gravações da Lady 'Day, embora tenha tentado. Há uma autenticidade nestas gravações, uma perfeita adequação interpretativa, que raramente encontro noutras vozes do jazz. Há interpretes de quem gostamos tanto, que queremos nos apropriar das suas canções, da sua arte. Mas, afinal, acabam por ser eles a apropriarem-se de nós!!
Aqui têm a «playlist» RECALLING BILLIE. Mergulhem no seu universo sonoro: Verão que as melodias e letras, na sua voz, carregam muita energia. Não sei explicar a atração que sinto, mas acabo sempre por voltar à Billie Holiday.
Johann Jakob Froberger não é deste tempo. Talvez não seja demais considerar ser ele de outra civilização, que não da nossa: Porque tudo o que se encontra na obra deste grande compositor do século XVII é delicadeza, expressão de sentimentos com contenção, subtileza no discurso musical, apelo à interioridade, reflexão filosófica. Nada do que enumerei tem grande repercussão nos auditores da nossa época. Alguns músicos profissionais com vasto conhecimento da sua obra e da época em que foi escrita, tentaram divulgá-lo, fazendo sobressair as suas qualidades. Mas, em vão!
Uma parte do público, nem sequer vai parar e escutar esta música: Só lhes interessa o ribombar do efeito fácil. Os que têm ainda sensibilidade musical e não foram tragados pela medíocre reprodução "ad nauseam" dos «hits» (que também existem) na música antiga, clássica, ou erudita; estes poucos, adoradores da beleza serena e reflexiva da música virada para o interior, são muito facilmente captados pela música de Froberger. Nesta, são capazes de encontrar ecos de seus próprios sentimentos e estados psicológicos, que lhes dão uma proximidade especial a esta música.
A Duquesa Sibila de Wittemberg estimava tanto as composições do seu músico pela sua rara qualidade, que, graças a ela, parte muito significativa da obra do seu súbdito foi preservada e chegou até nós.
Abaixo, reproduzo as seis Partitas «Auf der Mayerin» seguidas de Courante, Double e Sarabande, extraídas do volume dedicado a Sybill, Duquesa de Württemberg.
Podeis apreciar as peças isoladas, ou em Suites, que organizei na playlist FROBERGER - MEDITATION
Froberger está plenamente inserido na sua época. Pode-se dizer que a sua música vai buscar as melhores partes da tradição germânica, da francesa (sobretudo, do rico reportório de alaúde) e também da Itália do Norte. Compreende-se, pois ele esteve numa posição privilegiada, como músico nas cortes da Alemanha do Sul e Central, que eram outros tantos focos onde se cruzavam as tendências referidas.
A sua interioridade e subtileza celebrizaram peças como "Le Tombeau de Monsieur de Blancroche", homenageando a memória do Mestre alaudista parisiense, que morreu nos braços de Johann Jakob, após uma queda nas escadas. Note-se, esta peça está toda virada para o interior, para os sentimentos de profunda estima que Froberger tinha para com o alaudista, seu amigo. Só no final, com uma longa escala descendente, aparece o elemento obviamente descritivo da queda, que lhe foi fatal.
Não me vou alongar com as outras peças que vos proponho, pois podeis ler muito boas análises por músicos e musicólogos profissionais. Penso que quem esteja disponível para uma audição atenta, pode intuir qual o idioma dos afetos neste músico extraordinário, subtil e melancólico.
No contexto histórico e em termos estilísticos, contribuiu para o amadurecimento da forma «Suite» para o cravo. Além disso, alargou a técnica de composição e de execução deste instrumento, através da variada paleta expressiva.
Charlie Chaplin, todos conhecem... mas, talvez só superficialmente. Como todos os génios, ele tinha imensas facetas. Não somente era o argumentista, realizador e ator principal dos seus filmes, como também produziu uma boa parte das músicas que acompanham a evolução das cenas no écran. Nesta pequena amostra, são do próprio Chaplin 6 das 8 composições selecionadas.
As 2 composições que não são de Chaplin são «La Violetera», uma habanera que estava na moda cerca de 1914 (vídeo 2), e a popular «Dança Húngara nº5» de Brahms (vídeo 6).
Chaplin escreveu muitas outras músicas para seus filmes; eu apenas quis dar uma amostra de como ele utilizou o seu talento de compositor para pôr em relevo as cenas, cómicas ou românticas, nos seus filmes.
Chaplin, em sua carreira bastante longa, soube manter uma qualidade e originalidade das obras, absolutamente ímpares. Não conheço toda a obra de Chaplin, alguns filmes do princípio são difíceis de encontrar. Mas, o que conheço, deixa-me maravilhado: As câmaras de filmar e outros meios técnicos eram bastante primitivos, se comparados com os de hoje. Porém, com a sua arte, conseguia obter efeitos cénicos de uma comicidade total.
"La Violetera" (City Lights): Chaplin aproveitou a habanera célebre (de José Padilla), para uma cena comovente com a vendedora de flores cega, no filme City Lights
As canções seguintes são, para mim, musicalmente & poeticamente, as melhores da Piaf. Isto não significa que muitas outras (ela gravou mais duma centena de canções diferentes) não tivessem podido ser escolhidas para figurar aqui. São opções do autor deste blog; também é uma maneira de tributo e de homenagem ao «pardal parisiense»* !
(...) If the story of French icon Edith Piaf (19.12.1915 – 10.10.1963) is well known by the French public, her impact beyond the country’s borders shouldn’t be underestimated.
In 1955 she became an international music-hall star, notably in the US where she triumphed at New York’s Carnegie Hall in 1956. She would return numerous times.
During the same year she released English-language versions of several hit songs: ‘Heaven Have Mercy’ (‘Miséricorde’), ‘One Little Man’ (‘Le Petit Homme’), ‘Autumn Leaves’ (‘Les Feuilles mortes’), ‘Sing To Me’ (‘Chante-moi’), ‘Don’t Cry’ (‘C’est d’la faute à tes yeux’), ‘I Shouldn’t Care’ (‘J’m’en fous pas mal’), ‘Cause I Love You’ (‘Du matin jusqu’au soir’) and ‘My Lost Melody’ (‘Je n’en connais pas la fin’). There are also several live recordings of US concerts.On 13th December 1959, the singer collapsed on stage in New York while on tour. She had to undergo a series of operations and returned to Paris in a fragile state, but was still presented a TV award for the song ‘Milord’.
In 1961 she recorded the English-language versions of the songs ‘Je ne regrette rien’, renamed ‘No Regrets’, and ‘Mon Dieu’, which became ‘My God’.
After that her poor health meant that she could no longer travel as much as before, but her repertoire was taken up and covered by many international singers who helped keep her memory alive right up to the present day.(...)
Uma das canções da Piaf «Mon Homme», cantada por Billie Holiday, «My Man»:
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*"Piaf" = pardal, em argot
PS 1: Foi feita uma playlist «PIAF» com as canções de Edith Piaf acima. Podes agora ouvir as dez canções de seguida.
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