CANARIOS - Gaspar Sanz

https://www.youtube.com/watch?v=cp-JTGMMdsI

 

DOMENICO SCARLATTI NA GUITARRA CLÁSSICA

Algo de muito especial na história da música ocorreu com Domenico Scarlatti (Nápoles 26 de Outubro 1685 - Madrid, 23 de Julho 1757). Os «exercícios» e as sonatas, especificamente para o cravo, são simultaneamente excelente música adaptável e adaptada a variados instrumentos de corda e tecla, o clavicórdio, ou o forte-piano mas também de corda dedilhada, como se pode apreciar neste recital de guitarra clássica.

A música instrumental de Domenico é popular e aristocrática, ao mesmo tempo. As formas mais puras da sonata bipartita são postas ao serviço de uma profusão de temas, muitos dos quais com inegável sabor popular. Sem dúvida, influenciaram as circunstâncias muito especiais em que produziu a sua obra, na qualidade de músico e professor da Infanta Maria Bárbara de Bragança, que depois foi Rainha de Espanha... A sua obra é ímpar pela quantidade e qualidade das sonatas, única na sua diversidade e coerência, no reportório de cravo da Península Ibérica.

Penso ser adequado considerar Domenico Scarlatti como músico ibérico de origem italiana (napolitana), pois exerceu os seus talentos na Corte portuguesa a partir de 1719, como professor da Infanta e, depois como músico na corte em Madrid, a partir de 1733, quando esta infanta se tornou rainha de Espanha. Scarlatti exerceu durante longos anos este cargo, com os seus extraordinários talentos de compositor e de cravista, até ao fim da vida. Além das peças para cravo, compôs peças litúrgicas, cantatas e óperas. Mas, a parte mais célebre da sua obra são as 555 sonatas para cravo. 

Esta obra monumental tem sido servida por notáveis cravistas, pianistas e guitarristas pois, pela estrutura e carácter, muitas sonatas, embora escritas para o cravo, adaptam-se perfeitamente a outros instrumentos. 

Kapsberger: Passacaglia, Capona, Sarabanda, Canário

          Johann Hyeronimus Kapsberger (Veneza, c.1580; Roma 1651)

Andrey Chernyshov - guitarra barroca, Marina Belova - guitarra barroca, Oleg Boyko - teorba, Asya Grechischeva - teorba.
                                                       (gravação ao vivo dum recital)

[Outra obra de Kapsberger: https://manuelbaneteleproprio.blogspot.com/2018/03/no-pais-dos-sonhos-toccata-larpeggiata.html ]

RAMEAU - PRIMEIRO LIVRO DE PEÇAS PARA CRAVO (1706) Suite em Lá menor

                                                 

Rameau foi celebrado como o mais destacado músico francês da época barroca. O talento e criatividade de Rameau permitiram que ele se erguesse até um lugar proeminente no gosto do público, quer fosse na corte, quer em meios muito mais modestos.

Sobressaem a delicadeza e adequação das suas composições para o cravo, como a Primeira Suite. Ele fez imprimir estas peças, reunidas em livro, para se tornar conhecido, quando veio de sua cidade natal (Dijon) para a capital, decidido a conquistar o seu público. 

Ele construiu um reportório único de ópera e de ópera-ballet. Muitos consideram-no o verdadeiro fundador da tradição de ópera francesa, apesar dos antecedentes de Lully e de outros. 

A sua polémica com Jean-Jacques Rousseau, filósofo das Luzes e defensor da ópera italiana, foi célebre na altura... já quase ninguém, hoje em dia, compreende sua razão de ser. É que Rameau foi também um teórico da música e procurou fazer música prática coerente com os princípios, defendidos na qualidade de teórico. Por exemplo, uma peça - L'Enharmonique - é uma aplicação muito directa dos seus conceitos teóricos.

A suite em Lá menor, na verdade, não é nada rebuscada, não é difícil de «entrar no ouvido». Eu gosto de me banhar neste universo sonoro, enquanto estudo ou quando ocupo as mãos com uma tarefa de precisão. Mas, ela é muito mais do que «música de ambiente», reconheço que esta música tem uma qualidade excepcional. Não tem «efeitos especiais» para cravo, que exibem recolhas posteriores de Rameau, com peças descritivas, as mais executadas em disco ou em concerto.

O prelúdio desta Suite é uma peça muito especial e típica da tradição dos cravistas e alaúdistas franceses. Ela não tem barras de compasso a separar as notas, é um prelúdio «non-mesuré». A duração das notas não é precisa. Isto significa que o executante tem uma latitude maior para interpretar a peça. O prelúdio derivou da improvisação inicial que os cravistas e alaúdistas executavam, no início de um recital, quer para verificar a afinação do instrumento, quer para colocar o auditório perante o contexto sonoro apropriado à audição da Suite. Muitas peças das Suites possuem nomes de danças; pois são, de facto, danças estilizadas. Por isso, o compasso, o andamento, o tamanho das frases e secções, as repetições, as modulações, etc. não eram «livres», eram características impostas pela natureza da dança estilizada: uma Sarabande, um Menuet e todas as outras danças tinham de obedecer a regras precisas. 

Nalguns casos, uma Suite não era mais do que a recompilação de peças no mesmo tom. Isto observa-se, apesar de haver, nalguns compositores, uma certa sistematização, uma procura de unificação através de temas semelhantes, mas estes traços não são generalizáveis. Temos indicações seguras de que - nessa época - a Suite era vista como um agrupamento conveniente, não de execução integral obrigatória: O executante podia adoptar uma ordem diferente da que estava escrita, podia encurtar ou aumentar o número de peças.

O Temperamento em J. S. BACH: «DAS WOHLTEMPERIERTE CLAVIER»

«O Teclado Bem Temperado, ou Prelúdios e Fugas em todos os tons e meios-tons, tanto no que respeita à terça maior como à terça menor. Destinado a ser usado por jovens músicos ávidos de aprender e para o deleite dos que já são executantes hábeis. 

Composto por João Sebastião Bach mestre de capela do príncipe de Anhalt- Cöthen. Ano de 1722» (1)

O costume de se designar a obra-prima de J.S. Bach por «o cravo bem temperado» carece de rigor e também é redutor do sentido, pois a obra era destinada a instrumentos de tecla, não especificando o cravo - ou outro instrumento - como obrigatório ou preferido, para a sua execução. 

Com efeito, na época de Bach, o clavicórdio era um instrumento de tecla e corda muito popular, sobretudo nos lares menos abastados; era muito menos caro do que um cravo. Bach, com certeza, compôs e ensaiou inúmeras peças ao clavicórdio. 

Na introdução que Bach redigiu, a preocupação pedagógica é explícita. Bach ensinou muitos jovens, não apenas os seus filhos, mas muitos outros, incluindo príncipes, nas cortes onde trabalhou.

Pode-se abordar esta obra monumental de muitas maneiras. Uma importante questão tem a ver com o temperamento, ou seja, a subtil mudança das notas musicais em relação ao que seria a estrita relação física da frequência de vibração das cordas. 

A invenção do «temperamento igual» foi aplicada ao forte-piano, o novo instrumento de tecla popularizado, sobretudo, nos finais do século XVIII e no século XIX. Mas, na época em que Bach compôs, não se utilizava sequer o temperamento igual. Este, consiste em desviar um pouco a afinação de todas as notas, para que nenhum acorde soe agreste. 

Porém, o temperamento, na época de Bach, consistia em aplicar ajustes de afinação, para que os acordes soassem melhor numa dada peça, com uma dada tonalidade, havendo portanto que mudar a afinação ao longo do ciclo dos 24 prelúdios e fugas. 

A manutenção da mesma afinação, ao longo de várias horas de execução, é apanágio do piano, sobretudo quando este passou a ser construído com moldura de ferro e cordas metálicas, no século XIX e nos séculos seguintes. 

Por contraste, durante um recital de cravo ou de outros instrumentos de corda, é perfeitamente comum o executante gastar algum tempo, entre peças, para afinar o instrumento. 

Era e é possível fazer variar a afinação do instrumento ao longo do recital, de forma a adequar a sonoridade do instrumento às características de cada peça. Um executante com sensibilidade e ciência do seu instrumento, sabe ajustar a afinação deste, em função da tonalidade da peça. 

Note-se que - nesta época - cada tonalidade tinha um carácter próprio. A escolha do compositor em relação à tonalidade não era indiferente. Uma dada tonalidade seria a mais adequada para veicular certas ideias e sentimentos ... 

Estamos, afinal, perante um problema de interpretação musical e não meramente técnico, para executar a música da época, no «teclado bem temperado»!

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(1) Ler notas acompanhando o disco vinil, por Louis van der Paal

CONCERTO EM MEMÓRIA DE J.S. BACH

 

                                      

Gravado a 28 de Junho de 2020, por ocasião dos 270 anos da morte de J.S. Bach. 

Foi gravado ao vivo na Igreja de S. Tomás de Leipzig, com a Leipziger Cantorei e a Sächsisches Barockorchestra, sob a direcção de Gothold Schwarz 

Dienstag, 28. Juni 2020, 20.03 Uhr / Tuesday, 28 July 2020, 8.03 pm CEST

Live aus der Thomaskirche Leipzig / live from Leipzig St. Thomas Church

Leipziger Cantorey · Sächsisches Barockorchester · Thomaskantor Gotthold Schwarz

08:00 Johann Sebastian Bach (1685–1750): Vor deinen Thron tret´ ich hiermit, BWV 668

11:55 Begrüßung / welcome address: Prof. Dr. Michael Maul (Bach-Archiv Leipzig)

24:05 Johann Christoph Bach (1642–1703): Der Gerechte, ob er gleich zu zeitig stirbt

29:10 Johann Schelle (1648–1701): Aus der Tiefen rufe ich, Herr, zu dir

39:37 Moderation

42:13 Johann Ludwig Bach (1677–1731): Unsere Trübsal, die zeitlich und leicht ist

47:32 Dieterich Buxtehude (1637–1707): Gott hilf mir, BuxWV 34

1:03:16 Johann Michael Bach (1648–1694): Ich weiß, dass mein Erlöser lebt

1:05:25 Moderation

1:07:49 Johann Sebastian Bach (1685–1750): Aus der Tiefen rufe ich, Herr, zu dir, BWV 131

1:30:10 Johann Sebastian Bach (1685–1750): Vor deinen Thron tret´ ich hiermit, BWV 668 (Arrangement by Benjamin Dreßler)

 

J.S. BACH - CONCERTOS E OUVERTURE PARA FLAUTA E ORQUESTRA

Solista - Marcello Gatti

Ensemble Aurora / Enrico Gatti

- Concerto para Flauta em Si menor

- Concerto triplo em Ré maior

- Ouverture (Suite) em Si menor

J. P. SWEELINCK - «Mein junges Leben hat ein End»

                                         https://www.youtube.com/watch?v=18E6DhWRIS0

O Prof. Börsing interpreta a peça num órgão Noorlander Valotti.

                        

Jan Peterson Sweelinck (1562-1621) é o músico mais conhecido e importante nos Países Baixos, da época do final do Renascimento e dos princípios do Barroco, época designada por Maneirismo.

A sua influência ultrapassou muito as fronteiras do seu país, pois teve como discípulos distintos músicos da Alemanha do Norte e do Centro, assim como de Inglaterra e França. 

O português Manuel Rodrigues Coelho e o castelhano Hernando de Cabezón (filho de António de Cabezón), embora não se possam considerar seus discípulos, têm traços estilísticos, nalgumas peças, que revelam influência do mestre neerlandês.

Esta é uma série de variações sobre a canção que dá título. Neste tipo de peça - tema com variações - o tema, seja ele profano ou sacro, irá sofrer transformações, onde a linha melódica pode ser mais ou menos alterada e ornamentada, fala-se aqui de «glosa» ou de «divisão». Também existem variações que incidem sobre o acompanhamento, a harmonia ou o ritmo. 

As variações são uma importante base para o desenvolvimento histórico da música instrumental, iniciada um século antes da peça aqui apresentada, como se pode verificar pelo reportório ibérico da primeira metade do século XVI: numerosas canções foram transpostas para instrumentos de tecla, vihuela (uma forma de alaúde tipicamente ibérica) ou harpa. 

As variações sobre obras vocais (profanas ou sacras) tornaram-se, assim, parte do reportório específico para os instrumentos de tecla (órgão, clavicórdio, cravo). 

Enquanto a peça polifónica vocal (que fornece a base) é apresentada no início sem «floreados», mais ou menos como era cantada por pequenos conjuntos vocais, as variações vão incidindo sobre vários aspectos, superficiais e/ou estruturais da canção. 

Nesta procura de surpresa e de exibição da habilidade de tanger, desenvolveram-se técnicas e linguagens específicas para os diversos instrumentos de tecla.

J. S. BACH: CONCERTO BWV 1052

VERSÃO PARA ÓRGÃO DO CONCERTO PARA CRAVO 

https://www.youtube.com/watch?v=qe-S8OdbIIY

Johann Sebastian Bach (31 March [O.S. 21 March] 1685 – 28 July 1750) was a German composer and musician of the Baroque period. He is known for instrumental compositions such as the Brandenburg Concertos and the Goldberg Variations as well as for vocal music such as the St Matthew Passion and the Mass in B minor. Since the 19th-century Bach Revival he has been generally regarded as one of the greatest composers of all time. 

Harpsichord No. 1 in d minor, BWV 1052 

Arranged from the lost Violin Concerto in D minor, BWV 1052R 

Arranged again for Organ. 

Holograph manuscript, n.d.(ca.1734-38) in Bach's own handwriting 

I. Allegro II. Adagio (8:39) III. Allegro (14:31) 

Christine Schronsheim, organ and the Neues Bachses Collegium Musicum Leipzig conducted by Max Pommer 

Materials were partly taken from the cantatas Wir müssen durch viel Trübsal, BWV 146 (1726/28) and Ich habe meine Zuversicht, BWV 188 (1728).

ALESSANDRO MARCELLO - CONCERTO EM RÉ MENOR PARA OBOÉ E ORQUESTRA

Este universo barroco, sensual e erudito, foi tempo de ilustres amadores e de impulsivos génios. 

Desta época, inícios do século XVIII,  sobressai a dupla dos irmãos Marcello, Alessandro e Benedetto, ricos patrícios venezianos. 

Tal como Tomaso Albinoni, escreviam peças e faziam-nas executar por músicos ao seu serviço, sem necessitar de ganhar o pão quotidiano à custa da sua arte, ao contrário de António Vivaldi ou outros compositores venezianos.

Esta peça de Alessandro Marcello, muitas vezes atribuída erroneamente ao seu irmão Benedetto, é um exemplo claro da arte barroca. 

Exprime uma retórica dos afectos - a paixão, a ternura, o ódio, a tristeza, a alegria, o encanto... - com as suas equivalências musicais precisamente codificadas. Estes afectos estão expostos ao longo do discurso retórico musical, que os contemporâneos sabiam «ler». 

Para ilustrar este conceito, o célebre adágio deste concerto em ré menor para oboé, do qual J. S. Bach efectuou uma transcrição para teclado... A nostalgia e sentimento melancólico, que se desprendem do adágio, são perfeitamente perceptíveis, sendo notável a sua intensidade expressiva obtida com meios minimalistas. 

O Cantor de Leipzig gostava de homenagear os italianos, transcrevendo os seus concertos em versões para cravo, para órgão ou ainda, cravo(s) e orquestra. Foi a partir das obras mais inspiradas de Vivaldi, Albinoni, Marcello ou Torelli....que Bach construiu algumas obras suas e se apropriou do estilo italiano, que ele tanto admirava.

J.S. BACH - CONCERTO PARA TRÊS CRAVOS (BWV 1064)

HAENDEL: SONATA PARA DOIS VIOLONCELOS E CONTÍNUO EM SOL MENOR

https://www.youtube.com/watch?v=Fakhc8Ot-PY

                   

Yuliya Rozhkovskaya - cello

Aleksandr Ivanov - cello

Dasha Moroz - piano

Belarusian State Philharmony

O único exemplar manuscrito desta sonata datado da época de Handel, pertence à biblioteca real de Dresden onde ele fez uma estadia no ano de 1719.

A partitura está efectivamente escrita para trio de dois violinos e baixo contínuo, mas tornou-se muito frequente ouvir-se a sua transcrição para dois violoncelos.

Como é sabido, na época barroca, a atribuição de determinados instrumentos para interpretação das peças na música erudita, ainda não era tão estrita como passou a ser, nos séculos posteriores. Não fica nada mal, esta sonata com dois violoncelos, pois as sonoridades mais cheias, mais plenas de harmónicos, destes, por contraste com os violinos, permitem apreciar a beleza do desenho melódico.

Handel era realmente um génio da melodia. Beethoven, apreciava tanto isso, que considerava ser o velho mestre Georg Friedrich, o «maior músico de todos os tempos»...

A mestria de Handel no domínio melódico, transparece aqui muito claramente nos dois movimentos lentos da sonata (o inicial e o terceiro): A máxima expressividade com meios afinal muito simples; não será isto a marca de um génio?

Esta interpretação da célebre sonata de Haendel, parece-me ser muito apropriada, na sua sobriedade.

Ela reflecte o bom gosto do barroco, no seu auge, que dava o seu lugar aos sentimentos, sem no entanto os expor de modo desbragado, mas com contenção.

«CANÇÃO FRIA» (COLD SONG) DE PURCELL

                              Aksel Rykkvin | The Trondheim Soloists

What power art thou Who from below Hast made me rise Unwillingly and slow From beds of everlasting snow See'st thou not how stiff And wondrous old Far unfit to bear the bitter cold I can scarcely move Or draw my breath I can scarcely move Or draw my breath Let me, let me, Let me freeze again Let me, let me Freeze again to death Let me, let me, let me Freeze again to death...

ANDREAS SCHOLL (CONTRA-TENOR) CANTA VIVALDI

                                      https://www.youtube.com/watch?v=GFoT6UUNLZc

                 Solista: Contra-tenor Andreas Scholl

A letra é parte do Salmo 127, em latim.

Cum dederit dilectis suis somnum:
ecce haereditas Domini, filii: merces, fructus ventris.

Abaixo, a tradução, em português, do salmo completo.

1 Se o Senhor não edificar a casa, em vão trabalham os que a edificam; se o Senhor não guardar a cidade, em vão vigia a sentinela.

2 Inútil vos será levantar de madrugada, repousar tarde, comer o pão de dores, pois assim dá ele aos seus amados o sono.

3 Eis que os filhos são herança do Senhor, e o fruto do ventre o seu galardão.

4 Como flechas na mão de um homem poderoso, assim são os filhos da mocidade.

5 Bem-aventurado o homem que enche deles a sua aljava; não serão confundidos, mas falarão com os seus inimigos à porta.

STABAT MATER - VIVALDI

                                     

                                        https://www.youtube.com/watch?v=eG_1w-HObnc

Aconselho os meus leitores, especialmente os apreciadores da música barroca, a irem ao recital no CCB a 1 de Dezembro próximo. 
É com esta belíssima obra vocal e instrumental, o «Stabat Mater» do genial António Vivaldi, que se concluirá o recital que Andreas Scholl (contra-tenor) dará, com o grupo especializado na música barroca, «Il Divino Sospiro».

CONCERTO PARA FLAUTA DE BISEL & FLAUTA TRAVERSA EM MI MENOR

   Interpretado pela Bremer Barockorchester

                                          https://www.youtube.com/watch?v=2D-y2kJU0lg

Telemann, quem mais poderia ser? 



Quem, senão ele, guardaria o poder de nos encantar e surpreender, a mais de 250 anos de distância temporal? 

G. PH. TELEMANN: CONCERTO EM FÁ MAIOR DA «TAFEL MUSIK»

https://www.youtube.com/watch?v=8vNszXqFHgs

A alegria de viver de um Vivaldi, conjugada com a sabedoria de um Bach, transparecem neste concerto, extraído da célebre recolha de «Música para a Mesa». Este concerto é, para mim, dos  melhores de Telemann. 

Ele era amigo (e não um rival) de J. S. Bach. A sua amizade significava muito para ambos; havia mesmo uma relação familiar, pois Telemann foi o padrinho de Carl Philip Emmanuel Bach.

Sendo um compositor prolífico, as suas composições não poderão ser todas de nível altíssimo; porém, em vida, ele foi muito célebre e apreciado, mais que seu amigo e «cantor» (director) da Escola de São Tomás em Leipzig 

Por que razão Telemann não é colocado lado a lado de J.  S. Bach ou de G. F. Haendel, outros grandes compositores barrocos, pelo grande público? 
Não é devido ao desprezo dos musicólogos, nem dos intérpretes de música barroca: hoje em dia, muitos  reconhecem que os três compositores são igualmente importantes. 

Talvez a inércia ou o conformismo levem as pessoas a escolher - em disco ou em concerto - o que já é arque-conhecido, em detrimento de outras obras geniais, mas menos divulgadas. 
Perante isto, tanto músicos como editoras, reforçam a execução em concerto ou a gravação do que seja mais famoso neste reportório, para terem maiores receitas.

HAENDEL: «FALL'N IS THE FOE» (CORO DE ORATÓRIO "JUDAS MACCABAEUS")

O oratório «Judas Macabeu» foi composto num tempo recorde, para ser cantado em comemoração da vitória na batalha de Culloden.
Nesta, as tropas inglesas do Duque de Cumberland esmagaram definitivamente as escocesas, da rebelião jacobita liderada por Charles Edward Stuart, a 16 de Abril 1746. A batalha foi de uma ferocidade atroz. Além disso, perante a crueldade da repressão que se seguiu à vitória da Coroa Inglesa, a possibilidade duma futura independência da Escócia ficou arredada.

                         

Muitas vezes, as obras-primas têm como patronos os opressores dos povos. É frequente o génio criativo ser posto ao serviço dos vencedores. Nisso, Handel não será excepção.

Mas, para mim, agora e à distância de quase três séculos, estou mais interessado pelo processo dramático usado por Handel para descrever a derrota do inimigo (Fall'n is the foe...): aquele acorde descendente e repetido, tem o evidente papel de mimetizar uma queda.

Handel terá pedido ao autor da letra, Thomas Morell, para começar a escrever os versos, para ele os por em música. O primeiro verso saído da pena de Thomas Morell (*), foi logo aproveitado por Handel, que improvisou ao cravo a melodia e restantes vozes do tão inspirado coro, que conhecemos.

Tal não me parece inverosímil, pois o alemão naturalizado inglês possuía um génio melódico ímpar e um sentido dramático muito agudo, como testemunham muitas das suas obras, sacras ou profanas.

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(*) Fall'n is the foe! So fall thy foes, O LORD,
when warlike Judas wields his righteous sword!

[trad.] «Caído está o inimigo! Assim caem teus inimigos, ó Senhor,
Quando o bélico Judas ergue sua espada justiceira!»
[música com partitura, aqui:] https://www.youtube.com/watch?v=iA11wIhZbno 

MESSE À L'USAGE DES PAROISSES, FRANÇOIS COUPERIN

                                   https://www.youtube.com/watch?v=P0-5e8qNzYk&t=2073s

Na riquíssima produção de música para tecla, há um pequeno número de obras que se têm mantido, ao longo do tempo, como exemplos duma época, duma estética e, mesmo, de referência para o público amante de música antiga. 
Entre este número limitado de obras, figuram as duas missas para órgão:  A missa para as paróquias  (que ouvimos aqui, interpretada por Michel Chapuis no órgão histórico de Saint Maximin, de 1772) e a missa para os conventos. Ambas foram editadas num livro de órgão, em 1690, tinha então François Couperin 22 anos, apenas. 

François Couperin pertenceu a uma família de distintos músicos, dos quais seu tio Louis Couperin, cravista e organista, foi o mais célebre; também ele terá sido importante na formação de François, o futuro cravista titular da orquestra de câmara real de Luis XIV.

A influência do seu estilo exerceu-se nos contemporâneos a vários níveis. Para além da popularidade das «ordres» ou suites recolhidas nas «Pièces de Clavecin», destaca-se a importante obra pedagógica «L'Art de Toucher le Clavecin»: ensina como tanger de maneira graciosa, com os ornamentos adequados, o cravo. Este instrumento era o mais comum, nas casas aristocráticas ou burguesas, da época. 

Penso que a cristalização dum barroco tipicamente francês se deu com François Couperin, embora vários outros músicos franceses  da época, tenham produzido obras notáveis.

A sua música de órgão, embora se limite à recolha de 1690, tem uma qualidade excepcional. Esta pode ser considerada uma obra prima, apesar da juventude do seu compositor. 
Com efeito, o conjunto das duas missas para órgão, constitui uma síntese dos traços fundamentais da escola de órgão francesa do século XVII. 
Estas missas para órgão de François Couperin podem ser a porta de entrada para descobrirmos a enorme riqueza da escola francesa de órgão. 

J.S. BACH: PRELÚDIO EM DÓ MENOR PARA ALAÚDE

Na sua simples genialidade, nada pode ser mais tranquilizador para o meu espírito, do que ouvir, com toda a atenção e devoção, este prelúdio.

Com efeito, ele é extremamente simples, na sua concepção: acordes quebrados, que se sucedem até atingir o auge e depois se resolvem num acorde perfeito em dó maior.

Sim, para a Semana Santa também vêm a propósito as duas Paixões (segundo S. João e segundo S. Mateus), monumentos de grande envergadura, com coros, solistas e orquestra. 

Mas hoje, prefiro entregar-vos esta pequena jóia musical, este pequeno refúgio de beleza e espiritualidade.

Páscoa com Pax Universalis!