Esta jovem artista tem um perfeito domínio da técnica do fagote e das convenções estilísticas do barroco veneziano. Por outro lado, a obra de Vivaldi que aqui ouvimos, é um dos seus concertos mais cheios de bonomia, de verve, de sentido do humor.
A solista e o pequeno grupo de cordas sabem traduzir esse espírito para audiências contemporâneas.
Fazem-nos plenamente apreciar o génio vivaldiano.
Consigo imaginar, quando fecho os olhos, enquanto oiço este concerto, um jantar em casa dum aristocrata da República Sereníssima de Veneza. O conjunto de câmara executando este concerto de Vivaldi, seria formado por suas alunas do Ospedale della Pietà, onde o Mestre ensinava música às meninas órfãs, para que elas fossem escolhidas, mais tarde, como noivas dum endinheirado nobre ou burguês.
Há muito mais a apreciar em Albinoni, além do «seu» Adágio.
Remo Giazotto (1910- 1998) foi um musicólogo italiano que estudou e editou obras de compositores italianos do barroco e teve a sorte de ter encontrado um manuscrito com fragmentos de um Adagio de Albinoni. Este manuscrito continha a linha do baixo e alguns compassos, escritos para o violino. O célebre adagio não se pode - na realidade - designar como obra de Albinoni; nem sequer se deve considerar que Giazotto efetuou um "restauro" de tal peça. Seria mais correcto considerar a composição como sendo sua, de Giazotto, embora utilizando elementos do manuscrito de Albinoni, acima referido.
Porém, Albinoni não tem culpa deste equívoco. Sua obra (abundante, mas parcialmente destruída em incêndio, no bombardeamento de Dresden, no final da IIª Guerra Mundial pelos aliados) é de qualidade cimeira, a julgar pelo que nos resta. São peças muito perfeitas do ponto de vista formal. Tal legado não deve ser visto à luz de uma só peça, de atribuição questionável. Com efeito, o famoso Adagio, tem muito pouco do compositor veneziano do século XVIII.
De qualquer maneira, a qualidade de Albinoni, enquanto compositor, está claramente ao nível dos melhores de Itália, da primeira metade do Século XVIII.
J. S. Bach tinha acesso à biblioteca de manuscritos e edições coleccionadas pelo seu patrão, o Príncipe de Köthen. Bach conheceu e apreciou obras de Albinoni, tal como em relação a Vivaldi, Marcello e vários outros. Bach fez transcrições de obras destes mestres italianos. Alguns concertos foram adaptados para o órgão; a maioria, no entanto, destinava-se ao cravo.
Igualmente notável, é o conhecimento aprofundado de Haendel em relação à música italiana: Ele tirou imenso partido da estadia em Roma, na sua juventude. Compôs óperas italianas, oratórias em latim segundo o rito católico e música instrumental ao gosto italiano. Várias obras instrumentais, que compôs estando já em Inglaterra, evocam concertos de Corelli, de Locatelli, de Vivaldi e de outros italianos. Estava na moda a música italiana. Esta atingiu o auge de popularidade em meados do século XVIII. Durante muito tempo, foi «obrigatório» os músicos das diversas nacionalidades europeias comporem óperas ao estilo italiano e utilizando a língua italiana. Mozart (entre outros) compôs algumas das suas melhores óperas em italiano.
Nas cortes europeias, abundavam os italianos. Muitos deles eram músicos instrumentistas, outros cantores; os mais célebres erammestres-de-capela, ou músicos ao serviço exclusivo de monarcas e príncipes (ex.: Domenico Scarlatti).
As melodias, nos concertos de Albinoni, que se podem ouvir no vídeo abaixo (concertos para oboé ou violino), possuem grande qualidade expressiva. Os «tutti» são vigorosos e as partes de orquestra são discretas, ao acompanhar os solistas. Os movimentos são quase sempre Allegro-Adagio-Allegro, o que não é monótono devido à variedade de tratamento dos temas (variações, modulações...) e aos diversos acompanhamentos utilizados.
A arquitetura sonora geral é muito equilibrada, o que permite ao(s) solista(s) desenrolar o discurso "cantabile" e personalizado: Uma panóplia de ornamentos não escritos, permitia aos solistas enriquecer a melodia. Os melhores executantes não sobrecarregavam as melodias com adornos; tratava-se antes de adornar, sem adulterar a linha melódica.
Esta música, aparentemente «fácil», é possuidora de grande subtileza. Tal como, nos séculos XVI e XVII, as igrejas e basílicas em estilo barroco, tinham um traçado exterior austero e um interior cheio de ricas decorações requintadas.
Estes concertos de Albinoni não nos deixam de impressionar, ainda hoje, passados mais de três séculos.
O contra-tenor James BOWMAN, acompanhado pela ACADEMY OF ANCIENT MUSIC, sob a direcção de Christopher HOGWOOD - Música em instrumentos da época.
Antonio VIVALDI ( 1678-1741)
STABAT MATER
1 Stabat mater dolorosa
2 Cuius animam gementem
3 O quam tristis et afflicta
4 Quis est homo
5 Quis non posset contristari
6 Pro peccatis suae gentis
7 Eia mater, fons amoris
8 Fac ut ardeat cor meum
9 Amen
Gravação original: 1976 / ADD
Alguns compositores conseguem encher-nos de maravilhamento com singelas combinações de notas, em melodias sustentadas num tecido harmónico. É o caso de Vivaldi, na beleza do seu Stabat Mater e de muitas outras obras sacras, que incluem Gloria, Dixit Dominus, Salve Regina e um grande número de motetes.
O conjunto da obra vocal de António Vivaldi, em especial a de caráter sacro, seria por si só suficiente para colocá-lo em lugar cimeiro da música barroca, mesmo que sua obra instrumental fosse completamente desconhecida.
Imagem: um retrato de J. S. Bach quando jovem, do período em que terá copiado e adaptado muita música italiana, nomeadamente de Vivaldi
Hoje em dia, com o conceito de «copyright», temos tendência a ver qualquer empréstimo como uma espécie de «roubo». Porém, na era do barroco (e mesmo, depois), era comum uma peça de música dum compositor, ser adaptada por outro.
São célebres as adaptações, feitas para o órgão (ou cravo) pelo jovem Bach, dos concertos para cordas do «Estro Armonico» de Vivaldi*. São adaptações de pleno direito, pois as modificações necessárias para serem executadas no cravo ou no órgão implicavam mudanças substanciais: quer na tessitura das vozes, quer no enchimento harmónico e noutros detalhes, que fazem destas «transcrições» mais propriamente «adaptações».
Muitos músicos fizeram adaptações do mesmo tipo. Franz Liszt, por exemplo, transcreveu peças de Bach (originalmente para órgão solo) em peças para piano. Busoni, mais tarde, também efetuou transcrições para piano doutras obras de Bach. Estas transcrições são conhecidas e frequentemente interpretadas.
Vivaldi: Concerto para 2 violinos e orquestra, RV 522
No estudo abaixo citado, são contabilizadas e explicadas as modificações que Bach fez nas partituras originais de Vivaldi, para tornar as peças plenamente executáveis ao órgão: «Bach the Transcriber: His Organ Concertos after Vivaldi (Vincent C. K. Cheung)»
Alexandre Tharaud (piano) realizou um disco em 2001, com transcrições feitas por Bach de obras de Vivaldi, de Alexandro e Benedetto Marcello e Torelli, além de obras do próprio Bach: «Concerto Italien».
No século XIX continuou a tradição: O tema de «La Campanella» (o sininho) para violino, de Paganini, foi transcrito e usado para variações, em inúmeras peças, sendo a mais célebre a versão de Lizt para o piano.
No século XX, muitos compositores continuaram a usar temas de peças musicais de autores do passado para compor suas próprias peças, de forma mais ou menos livre.
Veja-se, por exemplo, a utilização do «Dies Irae» e dum Capriccio de Paganini, na Rapsódia para piano e orquestra de Rachmaninoff.
A «Rapsódia sobre Tema de Paganini», estreou-se a 7 de Novembro de 1934, pela orquestra de Filadélfia, sob direção de Leopold Stokowski, sendo o próprio Rachmaninoff solista ao piano.
Abaixo, Yuja Wang interpreta a parte de piano da Rapsódia de Rachaminoff:
Não nos devemos surpreender que grandes músicos copiem e usem materiais de outros: Pode ser visto como exercício, ou como forma de estudar as técnicas de composição dos mestres. Em tais circunstâncias, não se trata de "plágio", mas antes de homenagem!
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(*) música de Vivaldi e transcrições por Bach, nestaPLAYLIST
O sobrenatural como símbolo pode ser libertador, não enquanto mito que subjugue a mente, ou que esteja conectado com uma visão fatalista.
Percebi que o que há de delicioso nas histórias de fantasmas, é que elas nos dão um calafrio no momento mas, ao mesmo tempo sabemos que é ficção, pois estamos em segurança, lendo ou vendo ou ouvindo essa «estória de dar arrepios».
Certamente o fantasma invoca a morte. Mas, se temos medo da morte, não é do simples facto de um dia desaparecermos. Pelo menos, não duvidamos que desaparecemos enquanto ser material, algo que sabemos inevitável, a partir do momento que crescemos. A morte suscita medo, pelo seu lado desconhecido.
Este aspeto, o desconhecido, manifesta-se no que está para além do mundo corriqueiro, do dia-a-dia vulgar. A narrativa de terror precisa, não apenas do perigo mortal, mas também de algo insólito, estranho, sobrenatural.
O fantasma é uma criatura do outro mundo que vem visitar-nos neste mundo.
O fantasma...um ser real, ou uma alucinação, um efeito de ótica ou ainda, uma fantasia da nossa mente?
As histórias de navios-fantasmas, que continuam a vogar pelos oceanos, durante decénios, sem tripulação lá dentro, pois morreu até ao último homem, misteriosamente, tragicamente, são narrativas romanceadas de situações que ocorreram na realidade.
Não é difícil um navio continuar a flutuar durante algum tempo, sem ninguém para cuidar dele. Que isso tenha acontecido variadíssimas vezes durante a história da navegação, não nos pode surpreender. O que é mais da ordem do fantástico, são as lendas em que o navio surge durante as tempestades, periodicamente, do nada, do nevoeiro, como um monstro oceânico imponente.
Simbolicamente, o «navio-fantástico-fantasma» resume os medos (fobias) que podem nos habitar, pessoal e socialmente: O medo da morte, dos «mortos-vivos», dos fantasmas que poderão estar dentro do navio fantasma, o medo da natureza indiferente, do destino severo, vingativo, o castigo da não-sepultura, pela transgressão das leis dos homens ou -sobretudo- dos Deuses.
Muitas histórias de navios-fantasma relacionam-se com epidemias misteriosas que dizimaram toda a tripulação. Neste século de histeria pandémica, é provável que estas antigas histórias sejam evocadas, recicladas e atualizadas.
A famosa ópera «Die fliegende Hollaender/ The Flying Dutchman» de Wagner retoma o mito do navio-fantasma.
Abaixo, a abertura da ópera:
Mas, na época barroca, já existia um subgénero de música descritiva, a «tempestade no mar», abaixo exemplificada no concerto para flauta de Vivaldi. Note-se, que ele não foi o único na sua época, a utilizar o tema da tempestade marítima! Aliás, Vivaldi também escreveu outro famoso concerto para flauta «La Notte» RV 439 onde um dos movimentos se intitula «Fantasmi», fantasmas.
Este universo barroco, sensual e erudito, foi tempo de ilustres amadores e de impulsivos génios.
Desta época, inícios do século XVIII, sobressai a dupla dos irmãos Marcello, Alessandro e Benedetto, ricos patrícios venezianos.
Tal como Tomaso Albinoni, escreviam peças e faziam-nas executar por músicos ao seu serviço, sem necessitar de ganhar o pão quotidiano à custa da sua arte, ao contrário de António Vivaldi ou outros compositores venezianos.
Esta peça de Alessandro Marcello, muitas vezes atribuída erroneamente ao seu irmão Benedetto, é um exemplo claro da arte barroca.
Exprime uma retórica dos afectos - a paixão, a ternura, o ódio, a tristeza, a alegria, o encanto... - com as suas equivalências musicais precisamente codificadas. Estes afectos estão expostos ao longo do discurso retórico musical, que os contemporâneos sabiam «ler».
Para ilustrar este conceito, o célebre adágio deste concerto em ré menor para oboé, do qual J. S. Bach efectuou uma transcrição para teclado... A nostalgia e sentimento melancólico, que se desprendem do adágio, são perfeitamente perceptíveis, sendo notável a sua intensidade expressiva obtida com meios minimalistas.
O Cantor de Leipzig gostava de homenagear os italianos, transcrevendo os seus concertos em versões para cravo, para órgão ou ainda, cravo(s) e orquestra. Foi a partir das obras mais inspiradas de Vivaldi, Albinoni, Marcello ou Torelli....que Bach construiu algumas obras suas e se apropriou do estilo italiano, que ele tanto admirava.
Solista: Contra-tenor Andreas Scholl A letra é parte do Salmo 127, em latim. Cum dederit dilectis suis somnum: ecce haereditas Domini, filii:
merces, fructus ventris.
Abaixo, a tradução, em português, do salmo completo.
1Se o Senhor não edificar a casa, em vão trabalham os que a edificam; se o Senhor não guardar a cidade, em vão vigia a sentinela.
2 Inútil vos será levantar de madrugada, repousar tarde, comer o pão de dores, poisassim dá ele aos seus amados o sono.
3 Eis que os filhos são herança do Senhor, e o fruto do ventre o seu galardão.
4 Como flechas na mão de um homem poderoso, assim são os filhos da mocidade.
5 Bem-aventurado o homem que enche deles a sua aljava; não serão confundidos, mas falarão com os seus inimigos à porta.
Aconselho os meus leitores, especialmente os apreciadores da música barroca, a irem ao recital no CCB a 1 de Dezembro próximo. É com esta belíssima obra vocal e instrumental, o «Stabat Mater» do genial António Vivaldi, que se concluirá o recital que Andreas Scholl (contra-tenor) dará, com o grupo especializado na música barroca, «Il Divino Sospiro».
A fusão da música dos dois mestres do barroco exprime-se no máximo de expressividade e elegância neste concerto para 4 violinos e orquestra de cordas de Vivaldi, transcrito por Bach para quatro cravos e orquestra de cordas, transcrito para órgão solo, por Daniel Maurer.
Deixo aqui 3 excelentes versões:
1º de Pascale Mélis ao órgão Cavaillé-Coll de São Clodoaldo de St Cloud (França),
2º a execução ao vivo do concerto para 4 cravos BWV 1065 em Alberta,
3º, o concerto para 4 violinos (a partitura original) RV 580 de Vivaldi, pelo Giardino Armonico.
Espero que gozem esta música em todo o seu esplendor!
O motete RV 626, uma das muito ignoradas obras sacras de Vivaldi, permite-nos apreciar a genialidade deste grande mestre do barroco.
Sandrine Piau traduz o devido pathos desta peça. Note-se como este estilo vocal está próximo da ópera: a música sacra, em Vivaldi e em muitos outros desta época, só se diferenciava ao nível da temática e do uso do latim.
[Há quem chame erudita à música de Vivaldi. Perdoem-me o atrevimento, porém eu considero que ele está muito mais próximo de uma sensibilidade popular, que atravessa séculos e modas. O título de «ROCK STAR DO BARROCO» assenta-lhe muito bem! Tanto as obras instrumentais, como as vocais, são exemplo disso...]
[solista: Philippe Jaroussky] Vedrò con mio diletto
l'alma dell'alma mia
Il core del mio cor pien di contento.
E se dal caro oggetto
lungi convien che sia
Sospirerò penando ogni momento...
*
I will see with joy,
the soul of my soul
heart of my heart full of content.
And if from my dear object
I be far away
I will sigh, suffering every moment...
Se lento ancora il fulmine
l'oltraggio mio non vendica
cadra quell'empio, vittima
del giusto mio furor.
Ma sposa ancor ti sono
ritorna e ti perdono;
occhi versate in lacrime
tutto l'affanno d'un tradito amor.
*
If the lightning is still slow
To avenge the outrage I have suffered,
Soon that wicked man will fall victim
To my just anger.
But I am still your wife:
Come back, and I will forgive you.
My eyes, pour forth in your tears
All the affliction of love betrayed.
(Nel profondo
cieco mondo
si precipiti la sorte
già spietata a questo cor.
Vincerà l'amor più forte
con l'aiuta del valor.)
[SOLISTA: Mathieu Salama]
INTEGRAL DA ÓPERA
O libreto, baseado num poema de Ariosto, poeta do Renascimento, tem todos os ingredientes para exprimir as paixões humanas. Nomeadamente, a tensão emocional que acompanha o desenrolar do drama em música. As paixões foram sempre matéria-prima da ópera: aqui, a paixão amorosa insatisfeita leva Orlando à loucura.
Esta ópera «Orlando Furioso» é uma das mais célebres de Vivaldi. Na nossa época, foi representada em palco e gravada em disco, com bastante frequência. Creio ser uma das óperas barrocas que mais facilmente se podem acomodar ao gosto do público contemporâneo.
Algumas das suas árias tornaram-se célebres e são regularmente incluídas em recitais, por vários intérpretes.
Concerto for Cello, Strings and B.C. in E minor RV 409:
I. Adagio - Allegro molto
II. Allegro - Adagio
III. Allegro
Francesco Galligioni [cello]
Federico Guglielmo [direction]
L'Arte dell'Arco Seria justo que este concerto tivesse uma popularidade bem maior. Quanto à excelente interpretação deste conjunto de músicos, ela serve muito bem a exuberância da escrita barroca de Vivaldi.
A alegria que se liberta dos acordes do primeiro movimento, a nostalgia do segundo movimento (largo) e a enérgica afirmação nos diálogos entre os dois instrumentos solistas no movimento final... fazem desta peça de Vivaldi, uma das minhas preferidas.
