Domenico Scarlatti e a sonata bipartita [Segundas-f. musicais, nº68]

O napolitano Domenico Scarlatti (Nápoles, 1685 - Madrid, 1757), filho do também célebre Alexandre Scarlatti, foi praticamente adoptado pelos dois reinos ibéricos: primeiro, na corte de D. João V de Portugal, como mestre de capela e professor particular da Infanta Maria Bárbara.

Aquando da «troca de príncipes» (casamentos recíprocos entre príncipes das casas reais portuguesa e espanhola), que consolidou a paz entre os reinos em guerra desde 1640 (Restauração da independência de Portugal) até à Paz de Utrech (1715), a infanta Maria Bárbara tornou-se esposa do príncipe herdeiro da coroa de Espanha, sendo depois rainha de Espanha.

O seu professor na corte portuguesa, Domenico Scarlatti, foi convidado a continuar como seu mestre de música privado. Esta situação implicava uma dependência muito estreita à casa real e à corte de Espanha, mas isto serviu bem Scarlatti. A sua posição permitia-lhe desenvolver os seus talentos criativos, aperfeiçoando a escrita para tecla (sobretudo no cravo) e produzindo assim a obra monumental com centenas de sonatas bipartitas (pelo menos 555!), quase todas escritas para o cravo. Algumas, poucas, são para órgão ou adaptáveis a este instrumento. Frequentemente, as sonatas de Scarlatti são interpretadas no piano.

Curiosamente, Scarlatti, Haendel e Bach, nascidos no mesmo ano de 1685, tornaram-se grandes músicos. Sua música caracterizou a época barroca. Sem dúvida, as obras deles para os instrumentos de tecla (órgão, cravo, clavicórdio) são das mais inspiradas e populares no século XVIII.

A sonata bipartita ibérica e italiana [diferente da forma-sonata da Europa central ou vienense], obedece a uma ordem imutável: A primeira metade (normalmente repetida), vai da tónica para a dominante; a segunda metade inicia-se na dominante e acaba na tónica. O tema inicial da primeira metade é retomado na segunda metade, mas transposto para o tom da dominante.

O conteúdo destas sonatas pode variar muitíssimo, das que possuem um caráter nostálgico, às mais energéticas. Elas usam as figuras típicas da escrita para tecla e não apresentam (em geral) carácter contrapontístico acentuado; existe um predomínio nítido da voz portadora da melodia, sobre as outras.

A propósito, a escrita de Bach deve ser considerada anacrónica, pois ele recorria ao contraponto sistematicamente -aliás- com grande criatividade, quando poucos o faziam, na sua época. Haendel e Scarlattti, entre outros, compunham segundo a moda: A voz solística era o real foco de interesse dos compositores; as outras vozes serviam apenas como acompanhamento.

Embora não se possa falar de discípulos propriamente, tanto Carlos Seixas como o Padre Antoni Soler, entre os mais famosos, foram influenciados pelo Napolitano.

Hoje, as sonatas de Domenico Scarlatti podem ouvir-se em concertos e gravações de piano. Porém, nem sempre estas adaptações são de molde a preservar o caráter fundamental das peças, embora concedendo que haverá mudanças necessárias, dada a transposição de instrumento.

O facto da música para cravo editada no séc. XVIII raramente ter indicações de tempo, de expressão ou de ornamentação... Tal não significa que fosse indiferente o modo como se interpretavam estas peças. Na época barroca, havia «boas maneiras» para ornamentar e glosar as peças, que se apoiavam numa longa tradição, desde o Renascimento. Havia também tratados explícitos sobre o modo de tanger os instrumentos de tecla encordoados ou de tubos: Nestas obras eram codificadas práticas instauradas em tradições seculares.

Um Mestre, como Domenico Scarlatti, orientava seus alunos e discípulos para resolver tanto as dificuldades técnicas, como as interpretativas. As lições permitiam que os alunos consolidassem o cânon de interpretação.

DOMENICO SCARLATTI: SONATA EM RÉ MENOR Kk. 141, por SCOTT ROSS 

                                             https://www.youtube.com/watch?v=pk-Ef10pAIg

 Scott Ross, já falecido, foi um dos maiores interpretes de música barroca no cravo. 

O vídeo da sonata Kk. 141 de Domenico Scarlatti pareceu-me uma boa oportunidade para aguçar a curiosidade do leitor. 

Assim, se o leitor desejar, pode explorar a INTEGRAL DAS SONATAS PARA CRAVO DE DOMENICO SCARLATTI, POR SCOTT ROSS.

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Consultar também:

https://manuelbaneteleproprio.blogspot.com/2021/04/domenico-scarlatti-na-guitarra-classica.html

O GÉNIO BARROCO de TOMASO ALBINONI [Segundas-f. musicais nº45]

Há muito mais a apreciar em Albinoni, além do «seu» Adágio. 

 Remo Giazotto  (1910- 1998) foi um musicólogo italiano que estudou e editou obras de compositores italianos do barroco e teve a sorte de ter encontrado um manuscrito com fragmentos de um Adagio de Albinoni. Este manuscrito continha a linha do baixo e alguns compassos, escritos para o violino. O célebre adagio não se pode - na realidade - designar como obra de Albinoni; nem sequer se deve considerar que Giazotto efetuou um "restauro" de tal peça. Seria mais correcto considerar a composição como sendo sua, de Giazotto, embora utilizando elementos do manuscrito de Albinoni, acima referido.

Porém, Albinoni não tem culpa deste equívoco. Sua obra (abundante, mas parcialmente destruída em incêndio, no bombardeamento de Dresden, no final da IIª Guerra Mundial pelos aliados) é de qualidade cimeira, a julgar pelo que nos resta. São peças muito perfeitas do ponto de vista formal.  Tal legado não deve ser visto à luz de uma só peça, de atribuição questionável. Com efeito, o famoso Adagio, tem muito pouco do compositor veneziano do século XVIII. 

De qualquer maneira, a qualidade de Albinoni, enquanto compositor, está claramente ao nível dos melhores de  Itália, da primeira metade do Século XVIII.

 J. S. Bach tinha acesso à biblioteca de manuscritos e edições coleccionadas pelo seu patrão, o Príncipe de Köthen. Bach conheceu e apreciou obras de Albinoni, tal como em relação a Vivaldi, Marcello e vários outros. Bach fez transcrições de obras destes mestres italianos. Alguns concertos foram adaptados para o órgão; a maioria, no entanto, destinava-se ao cravo. 

 Igualmente notável, é o conhecimento aprofundado de Haendel em relação à música italiana: Ele tirou imenso partido da estadia  em Roma, na sua juventude. Compôs óperas italianas, oratórias em latim segundo o rito católico e música instrumental ao gosto italiano. Várias obras instrumentais, que compôs estando já em Inglaterra,  evocam concertos de Corelli, de Locatelli, de Vivaldi e de outros italianos. Estava na moda a música italiana. Esta atingiu o auge de popularidade em meados do século XVIII. Durante muito tempo, foi «obrigatório» os músicos das diversas nacionalidades europeias comporem óperas ao estilo italiano e utilizando a língua italiana. Mozart (entre outros) compôs algumas das suas  melhores óperas em italiano. 

Nas cortes europeias, abundavam  os italianos. Muitos deles eram músicos instrumentistas, outros cantores; os mais célebres eram mestres-de-capela, ou músicos ao serviço exclusivo de monarcas e príncipes (ex.: Domenico Scarlatti).

As melodias, nos concertos de Albinoni, que se podem ouvir no vídeo abaixo (concertos para oboé ou violino), possuem grande qualidade expressiva. Os «tutti» são vigorosos e as partes de orquestra são discretas, ao  acompanhar os solistas.  Os movimentos são quase sempre Allegro-Adagio-Allegro, o que não é monótono devido à  variedade de tratamento dos temas (variações, modulações...) e aos diversos acompanhamentos utilizados. 

A arquitetura sonora geral é muito equilibrada, o que permite ao(s) solista(s) desenrolar o discurso "cantabile" e personalizado: Uma panóplia de ornamentos não escritos, permitia aos solistas enriquecer a melodia. Os melhores executantes não sobrecarregavam as melodias com adornos; tratava-se antes de adornar, sem adulterar a linha melódica.

Esta música, aparentemente «fácil», é possuidora de grande subtileza. Tal como, nos séculos XVI e XVII, as igrejas e basílicas em estilo barroco, tinham um traçado exterior austero e um interior cheio de ricas decorações requintadas. 

Estes concertos de Albinoni não nos deixam de impressionar, ainda hoje, passados mais de três séculos. 

.https://www.youtube.com/watch?v=WMLSwqAOzHo&t=1639s

PS1: apreciem o Adágio  no 2° movimento do concerto em Ré menor para oboé e orquestra de cordas.

https://youtu.be/jfExK5Okrkg?si=zqW3bI-29QODP-oC

 

DANÇAS IBÉRICAS (Segundas-f. musicais nº18)

 FANDANGO- FLAMENCO - FOLIA - PASACALLES - CHACONA 

O Fandango é uma dança popular, de origem espanhola do séc. XVII, mas que pode ter sido adaptada de danças extraeuropeias, tal como outras danças, originadas na América Central ou do Sul, ou ainda nas Canárias.

                                                Fandango de Soler, discípulo espanhol de D. Scarlatti

Em Portugal, o fandango surge no séc. XVIII, provavelmente trazido por trupes teatrais castelhanas. Tornou-se rapidamente elemento do património folclórico português. 

Hoje em dia, o fandango está muito associado aos forcados do Ribatejo (uma espécie de «cowboy português») mas os grupos instrumentais e de danças, do Minho aos Açores, utilizam o fandango.

Dois grandes músicos de origem italiana, que exerceram a maior parte da carreira de músicos nas cortes da Ibéria, Domenico Scarlatti e Luigi Boccherini, compuseram fandangos, ou melhor, arranjos do fandango para cravo (Scarlatti) e para pequeno conjunto instrumental  (Boccherini).

A origem do fandango será talvez sempre obscura, como muitas expressões da criatividade popular, depois retomadas como moda pelas classes mais elevadas, como a aristocracia, no séc. XVIII.  

Sua difusão e perpetuação dá-se pela apropriação pelo povo e com modificação da dança cortesã. Isto é observável com as Pasacalles e a Chacona (ambas oriundas da América hispânica e trazidas pelos marinheiros), a Folia (de provável origem portuguesa). Todas estas danças, de origem plebeia, foram codificadas por músicos «eruditos» e integradas em Suites de danças ou em peças autónomas, do tipo «Tema com variações».

Quanto ao flamenco, a sua origem remonta ao início do Renascimento. Foram compostas versões instrumentais, por António de Cabezón (músico da corte de Carlos V), usando a sequência do baixo e a estrutura harmónica do Villancico «Guarda me Las Vacas», dos Séc. XV e XVI. 

                               Diferencias «Las Vacas», A. de Cabezón

Devido à relativa similitude do ritmo e das formas de dançar, muitas pessoas confundem o fandango e o flamenco. Porém, são duas formas de dança distintas, culturalmente pertencentes ao mundo ibérico, ambas de origem popular e posterior apropriação erudita. 

Em Portugal, é muito conhecida a toada do fandango; consiste num baixo obsessivo*, sobre o qual se vêm desenvolver variações do tema melódico.

                                        https://www.youtube.com/watch?v=E3NSldeHE_0

O esquema é semelhante ao das danças supracitadas, a Pasacalle, a Chacona, a Folia e o Flamenco. 

Para finalizar, vejamos/oiçamos uma versão para conjunto de câmara, sobre original para cravo de D. Scarlatti, interpretada no Palácio Nacional de Ajuda (Lisboa), pela Orquestra Sem Fonteiras.

                                          https://www.youtube.com/watch?v=7EMgb4BimxE

É curioso que as cortes europeias do passado tenham -repetidas vezes- assimilado danças populares, transformando-as em modas cortesãs. É difícil de imaginar isso hoje em dia, pois a aristocracia do dinheiro ou oligarquia, não tem qualquer afinidade com o sentir do povo; suas músicas e modas preferidas são totalmente diferentes das populares. Conservam assim a separação estrita da sua casta, originada pela fortuna.

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*) O «basso ostinato» é muito usado noutras composições, em escolas não-ibéricas: É o caso do célebre ground em Dó menor, por William Croft (durante muito tempo atribuído a Henry Purcell)

CARLOS SEIXAS - OBRAS PARA INSTRUMENTOS DE TECLADO (Segundas-f. musicais, nº16)

Carlos Seixas, músico do barroco, é de muitos conhecido em Portugal e também se tornou foco de interesse de musicólogos, instrumentistas e amadores de música internacionais.

A «redescoberta» da música de Carlos Seixas deve-se, quase exclusivamente, ao Prof. Macário Santiago Kastner. Ele transcreveu as Sonatas a partir de documentos manuscritos e fez estudos estilísticos e comparativos. Assinalou, desde os primeiros estudos, a originalidade de Seixas. Sublinhou que Seixas adaptara a sonata (ou toccata) bipartida, ao gosto e ao sentir lusitano. O Prof. Kastner iniciou seus trabalhos de musicólogo em Portugal nos anos 30 do século passado, tendo-se dedicado à musicologia, ao ensino e à divulgação da música antiga, até aos anos 1980.

Graças aos seus estudos, não apenas a música de Seixas começou a ser estudada e apreciada, como a de outros compositores portugueses dos séculos passados. Nomeadamente, tornaram-se conhecidos, pelos seus estudos: António Carreira (séc. XVI), Manuel Rodrigues Coelho (Séc. XVI-XVII) e Pedro de Araújo (Séc. XVII), importantes compositores de música para tecla dos séc. XVI e XVII.

Música de tecla nos séc. XVII-XVIII

Importância do clavicórdio

Portugal, embora fosse uma potência europeia e mundial importante na época, estava fortemente dependente da Igreja Católica para todos os aspetos da instrução, assim como das artes. A arte dos sons não era exceção, pelo que raras são as expressões de música profana anteriores ao século XVIII, que tenham chegado aos nossos dias. A música sacra, direta ou indiretamente relacionada com os ofícios religiosos predominava. Os arquivos das Sés (catedrais) e as bibliotecas dos mosteiros recolhiam a maior parte dos manuscritos musicais.

A música que se fazia nos mosteiros estava relacionada com o manicórdio (ou clavicórdio), um instrumento de corda e tecla, de som delicado, muito utilizado como instrumento de estudo. Nos conventos, era frequente os religiosos possuírem um clavicórdio nas suas celas. Este instrumento não tinha o som estridente da espineta; possuía um som muito suave, que não atravessava as espessas paredes das celas conventuais.

Assim, no final do século 17, princípio do século 18, um organista na tradição do pai de Seixas, devia praticar no clavicórdio, para treino ou para compor peças destinadas ao órgão.

                  https://www.youtube.com/watch?v=VRoldp 

O órgão ibérico

O órgão ibérico era geralmente possuidor dum único teclado e não tinha pedaleira. Alguns órgãos possuíam dois teclados, mas eram pouco frequentes. Suas características são completamente diferentes dos órgãos do Centro e Norte da Europa. Não apenas pela riqueza em registos de palhetas, incluindo trombetas horizontais, mas também pela divisão do teclado. Uma peça polifónica típica tem cruzamentos de vozes, acima ou abaixo da linha mediana do «teclado partido». Somente uma escolha de registos muito simples, utilizando só um ou dois registos idênticos, para cada metade, permitirá a homogeneidade sonora, indispensável para as peças polifónicas. Um compositor de obras para órgão tinha de ter em conta que as peças seriam tangidas em órgãos com as limitações atrás enunciadas.

Elementos biográficos sobre Seixas

Sendo Carlos Seixas filho de Francisco Vaz, organista titular da Sé de Coimbra (que morreu quando Seixas tinha somente 14 anos), o cargo de organista titular da Sé foi assumido pelo adolescente. Mas, depressa se despediu da sua Coimbra natal. Foi para Lisboa aos 16 anos, procurando aí obter um lugar como músico da corte.

Há uma certa lenda em torno do encontro de Seixas com Domenico Scarlatti, o qual exercia o cargo de Mestre de Capela Real e professor particular da Infanta Dona Bárbara (depois, Rainha de Espanha). O certo, é que o jovem Carlos Seixas agradou ao ilustre Mestre Scarlatti. Penso que Scarlatti terá recomendado ao monarca que o jovem talentoso assumisse o posto de organista da Capela Real e, por extensão, da Sé de Lisboa. 

 

Órgão ibérico, na Sé do Porto

Alguns elementos da biografia de Carlos Seixas são conhecidos. Porém,  subsistem muitas lacunas, apesar da sua vida ter sido curta. Seixas morreu com 38 anos, apenas.

NB: Não é diminuir o valor da obra de Carlos Seixas, inseri-la no contexto do Reinado de D. João V, o qual foi, sem dúvida, um grande patrono da música. O Rei português pagou os estudos musicais, através de bolsas, a músicos jovens portugueses, em Roma e Nápoles, que se tornaram depois célebres nos finais do reinado de D. João V e no reinado de D. José I.

D. João V promoveu a introdução da ópera italiana em Portugal, tendo contratado vários músicos italianos (e outros estrangeiros) para integrar a Capela Real. É certo que, se Seixas aproveitou o ambiente generoso do Rei e da Corte para a arte dos sons, o reconhecimento do seu talento foi genuíno. Ele tinha concorrência de vários músicos estrangeiros que acorreram ao Reino.

              https://www.youtube.com/watch?v=3_R4M872lfY

Composições para instrumentos de tecla 

Seu catálogo pode parecer reduzido, à primeira vista: Cerca de 120 obras para tecla (apenas uma dúzia explicitamente para órgão), um Concerto para cravo e orquestra de cordas, uma "Overture", uma Sinfonia, uma Missa e alguns Motetes. Porém, é preciso ter em conta a destruição de muitos livros e documentos únicos nos incêndios de bibliotecas, em consequência do Grande Terremoto de 1755*.

De facto, temos de avaliar sua produção a partir das peças que chegaram até nós. As suas composições para tecla são, em geral, de qualidade acima da média, se comparadas com outras, da mesma da altura.

Seixas escreve num estilo galante e não recorre a imbricada polifonia. Só numa peça recorre ao contraponto imitativo, uma fuga para órgão. As sonatas são, geralmente, a duas vozes, sendo a voz do baixo, o sustentáculo harmónico.

A sua escrita tem a ver, por um lado, com a assimilação do estilo italiano: Na Itália, a música não litúrgica abandonara há muito o contraponto rigoroso, em particular, as tocatas e fantasias para órgão ou cravo**. 

Por outro lado, tal escrita tem um lado prático, visto que muitas das Sonatas de Seixas, tanto podem ser executadas em instrumentos de tecla encordoados (cravo, clavicórdio, pianoforte), como no órgão.

             https://www.youtube.com/watch?v=FVWXZVGGau0

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Relacionado: 

A Profª. Cremilde Rosado Fernandes gravou Sonatas de Carlos Seixas no forte-piano. Sabe-se que no reinado do D. João V foram importados de Itália «cravos de martelos», os forte-pianos.

https://manuelbaneteleproprio.blogspot.com/2018/11/carlos-seixas-

sonatas.html

Imaginei uma cena de encontro com o jovem Carlos Seixas, que me convidou a assistir a um sarau em Lisboa, numa casa da alta nobreza: 

https://manuelbaneteleproprio.blogspot.com/2016/07/no-pais-dos-sonhos-carlos-seixas-aos.html

Criei uma playlist com música de Carlos Seixas, incluindo música religiosa, de orquestra e sonatas para instrumentos de tecla (cravo, órgão, fortepiano, clavicórdio), por vários intérpretes: 

Carlos Seixas por variados interpretes

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notas

* São fontes importantes de obras de Carlos Seixas vários manuscritos posteriores à morte do compositor (1742), que sobreviveram ao terramoto de 1755, ou que foram transcritos após este terramoto, contendo também sonatas doutros autores. Estes manuscritos são datáveis da segunda metade e alguns, mesmo, dos finais do século XVIII. Isto prova que as composições de Seixas continuaram a ser populares, para além do tempo em que viveu.

**Nos finais do século XVII, em Espanha e Portugal, a escrita contrapontística ainda predominava em Tentos, Fantasias e Obras, semelhantes às composições do século XVI, embora se notem evoluções.

HAENDEL, BACH, SCARLATTI compositores que nasceram no mesmo ano, 1685

                                               

Estes três compositores lendários nasceram no ano de 1685:

A herança deles três perdura, sendo obrigatório na aprendizagem dum instrumento de tecla (piano, cravo, órgão) estudar e praticar regularmente peças destes três compositores do Barroco.

A linguagem musical que transparece nestas amostras não é muito diferente uma da outra. Embora cada compositor, com o seu génio, imprima o caráter inconfundível de sua personalidade nestas e noutras peças, a verdade é que todos eles «falavam o mesmo idioma musical». 

Note-se que a época - cerca de 1700 a cerca de 1760 - foi de grande cosmopolitismo na Europa (apesar das guerras). A dominância da ópera italiana foi-se acentuando, assim como a tendência para se fixarem a forma sonata, a forma concerto e a forma suite (sequência de danças estilizadas). Domenico Scarlatti foi importantíssimo na codificação da sonata bipartita. Bach foi importante em forjar a síntese do concerto italiano, francês e alemão e Haendel adaptou ou criou formas e estilos ao gosto e temperamento dos britânicos.

Houve mais músicos barrocos de génio como Vivaldi e Rameau, por exemplo. Mas, no conjunto da Europa havia convergência e assimilação natural dos estilos das várias regiões.

[Miguel Rincón] "Fandangos" ca. 1730

 

"Fandangos" Santiago de Murcia, Codex Saldívar, ca. 1730

É interessante estudar o caso do fandango: Uma dança popular, com raízes tanto em Portugal como em Espanha, inicialmente «mal vista pela igreja». Mas, devido à moda que se alastrou na corte, ela tornou-se uma das danças mais frequentemente estilizadas no século XVIII. Ao longo do século XVIII, muitos músicos, como Bocherinni, Domenico Scarlatti, ou o Padre António Soler, compuseram fandangos. Além das peças designadas como «fandango», a voz do baixo desta dança serviu para se comporem muitas variações, como o Ground in C de Purcell.

O instrumento mais utilizado foi a guitarra de 5 ordens, na qual Miguel Rincón interpreta os fandangos dum manuscrito do início do século XVIII.

A estrutura musical do fandango é bastante simples e possui afinidades com outras danças estilizadas ibéricas*, nomeadamente:

- La Folia é, das danças ibéricas, a mais utilizada nos séculos XVII e XVIII, incluindo músicos não-ibéricos como Corelli, Marin Marais e outros. Ela própria deriva de Guardame la Vacas; no século XVI, esta canção foi transcrita para instrumentos de corda e de tecla, sob forma de «tema e variações».

- Canários: uma dança popular desta época, cujo nome indicaria ter sido trazida do (ou associada de algum modo ao) Arquipélago das Ilhas Canárias.

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* Oiça várias danças estilizadas de Santiago de Murcia:

https://www.youtube.com/watch?v=E8LnVULNoww

DOMENICO SCARLATTI NA GUITARRA CLÁSSICA

Algo de muito especial na história da música ocorreu com Domenico Scarlatti (Nápoles 26 de Outubro 1685 - Madrid, 23 de Julho 1757). Os «exercícios» e as sonatas, especificamente para o cravo, são simultaneamente excelente música adaptável e adaptada a variados instrumentos de corda e tecla, o clavicórdio, ou o forte-piano mas também de corda dedilhada, como se pode apreciar neste recital de guitarra clássica.

A música instrumental de Domenico é popular e aristocrática, ao mesmo tempo. As formas mais puras da sonata bipartita são postas ao serviço de uma profusão de temas, muitos dos quais com inegável sabor popular. Sem dúvida, influenciaram as circunstâncias muito especiais em que produziu a sua obra, na qualidade de músico e professor da Infanta Maria Bárbara de Bragança, que depois foi Rainha de Espanha... A sua obra é ímpar pela quantidade e qualidade das sonatas, única na sua diversidade e coerência, no reportório de cravo da Península Ibérica.

Penso ser adequado considerar Domenico Scarlatti como músico ibérico de origem italiana (napolitana), pois exerceu os seus talentos na Corte portuguesa a partir de 1719, como professor da Infanta e, depois como músico na corte em Madrid, a partir de 1733, quando esta infanta se tornou rainha de Espanha. Scarlatti exerceu durante longos anos este cargo, com os seus extraordinários talentos de compositor e de cravista, até ao fim da vida. Além das peças para cravo, compôs peças litúrgicas, cantatas e óperas. Mas, a parte mais célebre da sua obra são as 555 sonatas para cravo. 

Esta obra monumental tem sido servida por notáveis cravistas, pianistas e guitarristas pois, pela estrutura e carácter, muitas sonatas, embora escritas para o cravo, adaptam-se perfeitamente a outros instrumentos. 

MESTRE DOMENICO SCARLATTI COMPÔS...

A MÚSICA SUBLIME PRECISA DOS MELHORES INTERPRETES

                   K 27 - Sonata in B minor                                   Harpsichord: Scott Ross

                   K466 - Sonata F minor

                   Piano: Yuja Wang

                                         

                   K11 - Sonata C minor 

                   Guitar: Andres Segovia

                                          

PIERRE HANTAI - ENTREVISTA E CONCERTO EM LISBOA

Ver aqui o programa do recital de P. Hantai, no dia 24 de Novembro, na Fundação Gulbenkian, Lisboa: 

https://gulbenkian.pt/musica/evento/pierre-hantai/

Peças de Antonio de Cabezón; Pedro de Araújo; Juan Bautista Cabanilles; Carlos Seixas; Domenico Scarlatti 

CARLOS SEIXAS - SONATAS

Interprete: Cremilde Rosado Fernandes

               

                    Imagem: D. João V, rei de Portugal, quando jovem

                  https://www.youtube.com/watch?v=6IKDe0Pl_-M&t=835s

Sonata XIX Em Ré Menor: Moderato - 0:00

Sonata XIX Em Ré Menor: Minuet - 4:03

Sonata VII Em Ré Menor - 6:27

Sonata XXVII Em Lá Maior - 10:19

Sonata XXII Em Mi Menor: Allegro - 14:09

Sonata XXII Em Mi Menor: Adagio - 16:21

Sonata XXII Em Mi Menor: Minuet - 17:58

Sonata XXVIII Em Lá Menor: Allegro - 19:10

Sonata XXVIII Em Lá Menor: Minuet - 22:00

Sonata V Em Ré Menor: Moderato - 23:34

Sonata V Em Ré Menor: Minuet - 29:02

Sonata 43 Em Fá Menor - 30:18

Sonata 44 Em Fá Menor - 34:43

Sonata XVII Em Dó Menor: Andante - 39:24

Sonata XVII Em Dó Menor: Minuet - 45:52

Sonata II Em Dó Maior - 47:34

Sonata VI Em Ré Menor: Allegro - 54:17

Sonata VI Em Ré Menor: Adagio - 57:46

Sonata VI Em Ré Menor: Minuet - 59:13

Carlos Seixas, um dos nomes mais conhecidos da música barroca portuguesa é, na verdade, muito pouco conhecido... 

Sem dúvida, foi celebrado em vida, durante a curta vida, em que lutou para obter o título de «Cavaleiro» que lhe permitia entrar na corte e assegurar o futuro das suas filhas. Filho de um organista de Coimbra, cedo ficou órfão e teve de procurar sustento em Lisboa. 

Caiu nas boas graças do rei D. João V, que nessa altura tinha o grande Domenico Scarlatti ao seu serviço. Muito influenciado teria sido o Rei por Scarlatti, o mestre de música da Infanta Bárbara e futura rainha de Espanha. 

D. João V enviou a Roma e a Nápoles vários músicos para se aperfeiçoarem na música italiana, então favorecida na corte portuguesa e em todas as cortes europeias.

Apesar do italianismo reinante, Seixas tem uma forma de compor as sonatas que, embora reminiscente da escrita de Scarlatti, é por demais distante, para que se possa dizer que o português tomou como modelo o italiano. Nomeadamente, as sonatas seixianas, numa forte proporção, possuem vários movimentos, tal como a sonata XXII aqui reproduzida, que se inicia com um Allegro, na forma da sonata bipartita típica das escolas italo-ibéricas, continua com um adágio e finaliza com um menuet, peça típica do gosto francês.

O fortepiano, presente nas casas mais ricas da corte, proveniente de Itália, é conveniente para interpretar esta música, toda ela em subtileza, tal como é apropriada no clavicórdio, instrumento mais modesto e presença banal nos lares burgueses ou nas celas conventuais, nessa época. 

Santiago Macário Kastner, o musicólogo descobridor e primeiro editor destas Sonatas, costumava dizer que a música de Carlos Seixas flui como água de nascente. Dizia sobre a qualidade destas peças que elas eram como um cofre cheio de pedras preciosas: muitas maravilhosas e perfeitas, porém algumas tendo um pouco de «jaça» (aquela imperfeição ou impureza nas pedras preciosas, que lhes diminui o valor). 

Muitas peças de Seixas são de uma sensibilidade muito para lá da época, ou seja, anunciam o final do barroco, o estilo chamado «rococó», presente na música para tecla de Carl Philip Emmanuel Bach. 

Como exemplo, oiça-se a sonata XVII Em Dó Menor, com uma sensibilidade e um estilo que poderiam passar perfeitamente por composição das últimas décadas do século XVIII, da época pré-romântica.

Aliás, foram copiadas e executadas estas sonatas de Seixas, muito tempo depois da sua morte, o que - de certa maneira - apoia tal juízo.

A Professora Cremilde Rosado Fernandes, musicóloga eminente discípula do Prof. Kastner, é uma das mais conceituadas interpretes e mestras do cravo e do fortepiano, tendo leccionado na Escola Superior de Música de Lisboa (da qual foi Directora). Além de várias gravações discográficas, participou em recitais a solo ou com orquestra, em inúmeras ocasiões, em Portugal e no estrangeiro.