Excertos do recital dado por Arthur Rubinstein em Moscovo, em 1964.
A virtuosidade duma interpretação pode avaliar-se pela intencionalidade de cada nota, no discurso musical.
Arthur Rubinstein é ainda hoje referência inultrapassável pela profundidade com que nos devolve os sentimentos encerrados nas partituras de Chopin.
Existem vários outros intérpretes de excepcional qualidade. Porém, eu considero que estas gravações ao vivo de Rubinstein, são momentos em que podemos apreender a estrutura, a expressão e a técnica ao serviço da obra.
(Acima) Retrato a óleo de Mozart, ao piano, aos 14 anos
- Traduzi parte do comentário apenso ao vídeo acima:
«O QUINTETO EM MI BEMOL MAIOR PARA PIANO E INSTRUMENTOS DE SOPRO, K. 452, foi completado por Mozart em 1784 e estreado dois dias depois, no Teatro Imperial em Viena. Pouco tempo depois da estreia, escreveu ao seu pai que "Eu próprio considero que é a melhor coisa que escrevi em toda a minha vida". A distribuição das partes é a seguinte: piano, oboé, clarinete, trompa e fagote.
Compõe-se de três andamentos: 1. Largo - Allegro moderato 2. Larghetto 3. Allegretto
A sua estrutura assemelha-se à da sonata típica. No primeiro andamento (Largo-Allegro), o Allegro está escrito na forma sonata, com os temas a serem passados dum instrumento para o outro, sendo o piano o introdutor dum tema e assumindo depois o papel de acompanhador, quando o oboé, a clarineta e o fagote realizam as suas respectivas variações sobre esse tema. O Larghetto é um andamento típico, análogo dos 2º andamentos doutras peças de Mozart, suave e gentil, que atrai a atenção. O Allegretto assume a forma de "sonata-rondó" do mesmo estilo que Mozart utilizou como andamento final em muitos dos concertos para piano que escreveu nesse período e contém uma cadenza - escrita por Mozart - próximo do fim.
Esta peça foi inspiração para o Quinteto em Mi bemol para Piano e Sopros, Op. 16 de Ludwig van Beethoven que escreveu a sua peça enquanto homenagem, em 1796. A composição de Beethoven utiliza os mesmos instrumentos que a de Mozart.»
Comentário de Manuel Banet:
A beleza divina desta peça, excelente exemplo de escrita musical do Classicismo, brilha em cada uma das suas partes. Mas, o excecional está na integração perfeita de cada instrumento no conjunto. Porém, esta formação instrumental é pouco usual na música dessa época. O diálogo do piano com os vários instrumentos de sopro surge com perfeita naturalidade.
Consigo imaginar Mozart ao piano, introduzindo os temas e dialogando com os instrumentos de sopro.
Uma peça bem humorada, interpretada com perfeição e equilíbrio pelos elementos do quinteto.
PS1: Um manuscrito desconhecido, contendo autógrafos de Mozart, foi descoberto recentemente na Bibliothèque Nationale de Paris. Um pequeno livro com partituras manuscritas. O conteúdo estaria relacionado com as lições que Mozart deu, durante sua estadia em Paris, a uma jovem «estúpida e preguiçosa». Veja AQUI.
PS2: Uma peça de juventude, completamente inédita. Descoberta em 2024 Ganz Kleine Nachtmusik, K648 foi gravada na biblioteca da editora de música Bärenreiter.
Desenho do compositor, por Picasso, na capa de uma selecção de obras de Eric Satie
Aos 101 anos da sua morte, Eric Satie continua a ser mal compreendido pelo público, em geral e mesmo pelos críticos musicais. No entanto, como elemento verdadeiramente original dos princípios do século XX, a sua obra guarda enorme interesse e atualidade. Aliás, vários compositores dos séculos 20 e 21, foram influenciados pelas suas obras.
A música de Eric Satie é especial. É simples na estrutura, subtil no discurso musical e sedutora na sua austeridade... Talvez sejam as razões porque é agora mais popular do que nunca, passados mais de cem anos sobre a sua morte.
As 7 peças das «Gnossiennes» têm um caráter de reflexão pausada. Elas estão na antítese de boa parte da música da sua época, apesar de terem traços comuns à escrita musical de Debussy ou Ravel. A atmosfera que emana das composições de Satie escapa ao encerramento dentro de uma escola, de uma época.
Ele serve-se de estruturas musicais extra-europeias: Por exemplo, as peças são frequentemente modais, o que não era nada comum, pois a música tonal ainda era a dominante. Recusa-se a fazer modulações que se limitam a ser transposições de uns tons para outros. Por outro lado, a repetição insistente de alguns motivos melódicos, tem um efeito encantatório, hipnótico.
Curiosamente, ele não se coloca formalmente em ruptura com o passado, como o fizeram, desde o início do Século XX, vários vanguardistas.
Se há peças musicais que ajudam a concentrar numa tarefa - a estudar, desenhar, etc - as 'Gnossiennes' são das mais adequadas.
A sonata K 545 em Dó maior é, sem dúvida, das mais conhecidas. Já a Fantasia K745 e sonata K. 457 são muito menos vezes ouvidas, embora sejam peças que sobressaem na própria produção de Mozart. Com efeito, a Fantasia e a Sonata que a segue, ambas em Dó menor, estiveram acopladas desde o princípio, pelo próprio Mozart, ao fazê-las editar conjuntamente. É portanto frequente a sua execução conjunta, como o faz Grigory Solokov.
Mas, em qualquer dos casos, a perfeição de Solokov ilumina as peças de Mozart com a frescura da descoberta, por mais que tenham sido ouvidas e tocadas em disco e em concertos.
No vídeo acima, relata-se um episódio do fim da vida de Franz Liszt (70 anos): Uma lição em que ele utiliza «La Campanella» para explicar que é preciso estar completamente concentrado na música, para superar as dificuldades técnicas.
No vídeo também é referido que os jovens pianistas desejavam ser seus alunos, para colocar no curriculum que "tinham aperfeiçoado a sua técnica com Liszt" (!)
Esta peça de Paganini é surpreendente: Foi erigida em símbolo de virtuosismo inultrapassável. Uma espécie de «certidão» do talento e agilidade do violinista ou do pianista.
Abaixo, dois artigos que escrevi neste blog e relacionados com «La Campanella» e com o aproveitamento de temas por compositores, usando- os como fonte de inspiração.
A acrobacia musical não é o que mais me entusiasma; admito porém que a «performance» duma peça reputada muito difícil, é o que atrai mais as pessoas. Vêem nisso um «prodígio». Mas, o treino musical não deveria ser equiparado ao desporto, onde se treina a rapidez, a agilidade, etc. Porque a musicalidade consiste em fazer com que, numa dada peça, sobressaiam os aspectos originais, profundos e belos: Assim, um adagio pode bem ser de execução «transcendental», para utilizar o título da recolha «Estudos de execução transcendental» de Liszt.
A criança -que era eu - olhava com maravilhamento estes adultos, que evoluíam nos jardins, no ar noturno um pouco húmido. Já era Setembro e, nas montanhas ao longe, uma manta de névoa esbranquiçada recobria os cumes.
A música, essa, era um mistério, um sortilégio inexplicável, um efeito mágico de todo o ambiente que se desprendia dos jardins ornados de estátuas, mosqueadas de musgo verde escuro.
Gostava de poder regressar a estes momentos mágicos, para sempre idos. Mas, pelo menos, posso ouvir com toda a atenção esta interpretação de Evgueny Kissin, do «Clair de Lune» de Debussy. Não me recordo se o concerto de que guardo memória incluía ou não, a célebre peça de Debussy.
O que sei é que os jardins e a atmosfera nostálgica me transportaram para um estado de sensibilidade serena. Neste estado, consegue-se usufruir dos sons, como se produzidos pelo nosso cérebro: Somos um com a música, embora saibamos perfeitamente que vem de fora de nós.
Recolho-me em Debussy, como noutros compositores, pois cada um deles tem algo único para me dar. É uma espécie de segredo que eu guardo, em relação aos compositores que mais frequento. Talvez Debussy e Rachmaninov, sejam os que melhor me projetam para a infância ideada, sonhada, talvez vivida como se fosse outra vida.
Como se pode ser feliz, na infância ! Se na minha infância o fui, devo-o aos meus pais, que me educaram o gosto musical e me proporcionaram estudar música. Não me tornei um músico profissional, nem um executante que se pudesse apresentar num recital público.
Porém, estou convencido que apreendo as peças musicais com um grau de compreensão mais elevado, do que se nunca tivesse estudado música. A gramática e o estilo em música são como no discurso literário. A não compreensão dum texto literário, pode resultar da incapacidade em apreender a sua estrutura gramatical e o estilo do mesmo.
O intelecto e a sensibilidade são ambos de grande importância para usufruirmos plenamente da música. Também o silêncio; fazer o silêncio interior, deixando que os sons nos penetrem, se organizem na nossa mente. Só assim conseguimos captar a totalidade da beleza do que estamos a ouvir.
Glenn Gould consegue cativar a minha atenção do princípio ao fim, desfiando cada andamento de cada partita como uma narração única.
A qualidade destas interpretações foi reconhecida com a designação de «Gravações do Século», ou seja, são gravações de referência para intérpretes e apreciadores de música barroca.
* (das notas que acompanham esta gravação) Bach's Partita No. 2 for keyboard opens with a three-part sinfonia: a dramatic and meaningful overture is followed by a playful prelude (01:06) and concludes with a fugue for three voices (03:01). Despite its compact form, this Sinfonia is multifaceted and demands great technical skill from the pianist. With the following movements of Allemande, Courante and Sarabande, Bach follows the typical Baroque scheme of a suite. Instead of a concluding Gigue, however, he uses two other movements: a Rondo and a Capriccio. Both forms were also referred to as “gallantries,” which were intended to create surprise and relaxation within a suite.
The Partita in C minor is the second piece in a series of six partitas (BWV 825 - 830), which Bach published in 1731 under the title “Clavier-Übung 1.” Bach himself described the series as his Opus 1, which he wrote for piano lovers for the enjoyment of the mind. The first “Clavier-Übung” was followed by three further collections of pieces for keyboard instruments. The four “Clavier-Übung” contain all the genres and compositional methods common during Bach's lifetime. Each of the individual pieces is very demanding. Bach had set new standards in keyboard playing technique with this compendium, which was well thought out in every respect.
Só soube agora e fiquei deveras chocado com a notícia sobre a saúde da pianista Alice Sara Ott. Creio que será difícil, no longo prazo, ela continuar com uma intensa atividade de concertista. A esclerose múltipla é uma doença debilitante, que pode deixar as pessoas exaustas, mesmo quando seguem o tratamento adequado.
Prelude No. 17 in A Flat Major. Allegretto
Pelos excertos que tive oportunidade de ouvir, do seu recente álbum dos 24 prelúdios de Chopin, fiquei encantado com a sua claríssima articulação, conjugada com a sensibilidade de uma grande artista. Os 24 prelúdios de Chopin, são muitas vezes mal interpretados, pois a estética de Chopin nesta série é quase clássica, embora vários intérpretes acentuem demasiado o lado romântico.
Prélude No. 6 in B minor 'Lento assai'
Tenho acompanhado atuações em concerto de Alice Sara e ouvido faixas de alguns discos, desde há alguns anos. Recentemente fiquei encantado ao ouvir a sua interpretação ao vivo, feita para a série dos «Tiny Desk Concerts», um programa que começou na época de confinamento do COVID, porém tem continuado, dado o seu enorme sucesso.
Na gravação, pode ouvir-se o último prelúdio do ciclo de 24 prelúdios de Chopin, assim como a explicação de viva voz de Alice Sara sobre o seu modo de sentir os Prelúdios de Chopin.
Ela deixa transparecer por palavras a sua espiritualidade e emoção. Estas não são surpresa para quem ouviu as suas interpretações pianísticas inigualáveis.
Quando oiço esta artista total fico sempre extasiado.
- ALICE SARA OTT e Orquestra Sinfónica da Rádio da Baviera
Edvard Grieg (1843-1907) foi um compositor prolífico, com um reportório de mais de 150 obras, além de ter sido maestro e virtuoso do piano, tendo percorrido a Europa para promover a sua arte. Porém, somente a música de cena da peça teatral de Ibsen, «Peer Gynt», assim como o concerto para piano e orquestra aqui apresentado, são obras muito conhecidas do público.
No Verão de 1868, Grieg escreveu seu concerto para piano, cuja récita de estreia ocorreu em 3 de Abril de 1869 no Teatro Casino de Copenhaga. É uma das grandes obras do reportório romântico. Neste, soam temas de música popular norueguesa. Tem uma refrescante variedade temática protagonizada pelo instrumento solista. Ele trabalhou longamente no concerto, até a um ano antes de sua morte.
Não apenas a maior parte das obras, como também a biografia deste compositor norueguês estão pouco divulgadas. Sofre da «maldição» de certos compositores, que têm uma obra muito popular sendo as restantes relegadas para um apagamento injusto, dada a sua qualidade musical.
O Concerto em Lá menor, para piano e orquestra de Edvard Grieg, foi gravado em 2015 e interpretado por Alice Sara Ott e a Orquestra Sinfónica da Rádio Bávara sob a direção de Esa-Pekka Salonen.
Andamentos:
I. Allegro molto moderato
II. Adagio - attacca
III. Allegro moderato e marcato - quasi presto - Andante maestoso
Maurice Ravel foi um compositor francês, de grande relevo em toda a Europa, na transição do século XIX para o século XX. Com Claude Debussy, costuma ser designado um dos «impressionistas musicais» mais célebres. Porém, esta classificação de «impressionista» é incorrecta.
É verdade que a música destes compositores se espaireceu na época em que a pintura impressionista triunfava. Mas, isto não significa que as composições musicais destes compositores fossem análogas dos efeitos de cor, do lusco-fusco, das manchas coloridas que adquiriam forma e sentido a certa distância do quadro, etc., caraterísticas dos quadros impressionistas seus contemporâneos...
A colaboração estreita de Maurice Ravel com os «Ballets Russes» do empresário Sergei Diaghilev foi frutuosa e está na origem da versão para orquestra pelo próprio Maurice Ravel, da peça «Alborada del Gracioso», originalmente para piano.
Aqui, pode ouvir a versão para orquestra, com a Orquestra Sinfónica de Galicia, dirigida por Dima Slobodeniouk.
Estes «retratos musicais» são, porventura, a forma musical mais característica de Ravel. Porém, são peças cujo conteúdo não está definido de antemão, contrariamente ao que os títulos parecem indicar. Quanto muito, os títulos dão uma referência sobre a origem musical ou literária da inspiração do compositor. Prova disso, a mesma peça «Alborada del Gracioso» foi rebaptizada «Os Jardins de Aranjuez», por ocasião da tournée em 1919 em Londres, pelos Ballets de Diaghilev.
A música, composta antes ou de propósito para o ballet, fornece o ímpeto para a dança. Esta última, é criação de movimento, sobre uma criação sonora.
ALBORADA DEL GRACIOSO pelo Ballet Nacional de España
O título "Tempestade" não foi dado pelo compositor. No entanto, parece adequado ao diversificado discurso musical, onde sobressaem os contrastes entre passagens alternadamente melancólicas, esperançadas, tempestuosas, serenas...
Chloe é excelente no seu fraseado, adaptado ao piano. O seu andamento é relativamente moderado, face a outras gravações que tenho ouvido.
Com efeito, esta peça é meditativa; ainda hoje nos faz vibrar de emoção. Porém, o virtuosismo, para alguns transformou-se em sinônimo de corrida de velocidade.
Para mim, o clavicórdio continua sendo um excelente instrumento de tecla. Não só para interpretar Bach e outros autores barrocos, mas também para uma dinâmica diferente da do cravo. Isto, porque o cravo tem um tempo de vibração e de ressonância dos harmónicos mais curto que no clavicórdio.
Quanto aos conceitos de rápido e lento, um musicólogo meu conhecido gostava de referir o facto de que a experiência sensível da velocidade nas pessoas do século XVIII (portanto, antes do caminho de ferro, do automóvel e do avião...) tinha como limite um cavalo a grande galope. Este andamento do equídeo não podia ser sustentado por muito tempo, aliás: ele ficaria rapidamente exausto. Pode-se argumentar que os dedos correndo no teclado do cravo (ou outro instrumento), tinham outro tipo de limitações: Mãos hábeis podem tocar rapidíssimo sem «esborrachar» as notas. No entanto, a vida não era pautada pela velocidade, nem pela performance extravagante. Antes pelo contrário: As pessoas apreciavam muito mais o virtuosismo que consegue traduzir sentimentos, "conversando" através dos instrumentos. Este era o verdadeiro desafio do artista-intérprete do Século XVIII. Bach era um excelente intérprete, vários testemunhos diretos atestam-no.
Escolher instrumentos antigos ou suas cópias, mesmo aqueles que hoje raramente são executados, não é um preciosismo, nem um passadismo: Trata-se de apreciar a música o mais próximo de como o autor quis que ela soasse.
Michael Thomas interpreta Bach no clavicórdio; a Fantasia cromática e fuga pode ouvir-se na gravação abaixo, de 23' 15'' até aos 38' .
AS BELEZAS HARMÓNICAS E MELÓDICAS DESTAS DUAS SÉRIES DE «IMPROMPTUS» (SIGNIFICA IMPROVISOS) SÃO PARA SER OUVIDAS NA ÍNTEGRA, OU UMA PEÇA DE CADA VEZ, MAS SEMPRE COM O MÁXIMO DE CONCENTRAÇÃO.
São peças de música transcendente - não se comparam com nada que tenha sido composto anteriormente. Não por o estilo ou sua construção serem impossíveis de classificar. Na realidade, podem servir como exemplo do piano romântico no seu auge. Aquilo que é único, é o seu discurso íntimo e sincero que convida a uma interiorização.
Aconselho-vos portanto, se não tiverem tempo ou paciência, a não ouvir estas peças!
Caso contrário, dediquem a vossa atenção totalmente. Não é tempo perdido, mas inteiramente ganho!
Chloe Jiyeong Mun atinge - de chofre - o «top» das interpretes, pela sensibilidade e perfeição técnica conjugadas.
Ela oferece as condições para usufruímos da plena sensualidade auditiva e da beleza suprema: O que não é de pouca monta, pois estas peças, ditas «de improviso», são de uma elaboração subtil e de muita exigência técnica. A sua interpretação é, pelo menos, tão excelente como a de outros grandes interpretes que tenho ouvido.
Um prodígio de maestria, para o prodígio da composição de Schubert!
Uma singela homenagem aos Mestres falecidos... que vivem na música que escreveram ou executaram.
Escrito entre 1800 e 1803, este concerto em Dó menor deve muito a Mozart, que Beethoven venerava. O estilo característico do músico de Bonn transparece, porém, com a profusão de variações dos temas e contra temas, como mais ninguém faria no seu tempo. Beethoven, já famoso compositor, estreou este concerto executando, ele próprio, a parte solista.
Não me parece que este concerto, com tanta verve, tanta riqueza temática e o notável recurso a uma orquestra com dimensão sinfónica, seja justamente avaliado. Porque considero estarmos perante uma das obras-primas do romantismo nascente.
Em artigos anteriores, referi as características estilísticas das composições de Beethoven, a sua rutura com os padrões clássicos e a inauguração de uma nova linguagem musical, que veio a receber o nome de «romantismo».
Mas, os nomes, meras classificações, obscurecem a inteligência das obras. Podemos encontrar traços românticos nesta peça, naturalmente. Porém, estamos perante uma obra que não se afasta dos cânones clássicos. Porque, é preciso que se esclareça, o «classicismo», por sua vez, também é uma etiqueta cómoda, designando a tendência musical predominante dos anos 1770 a 1810, mais ou menos. Nesta época, justamente, o estilo «Sturm und Drang» (um movimento literário «romântico») veio a afirmar-se, incluindo mesmo em obras de músicos ditos clássicos. Mozart tem sido considerado um músico que transcende as classificações mas, em todo caso, tem havido consenso em apontar várias obras suas como sendo «pré-românticas».
A afirmação do génio de Beethoven não se deveu a uma rejeição do passado, mas à assimilação criativa do mesmo, com a preocupação de alargar o seu âmbito, para uma maior expressão dos sentimentos.
Esta gravação, com a Orquestra Filarmónica de Viena dirigida por Karl Böhm e com Maurizio Pollini ao piano, honra perfeitamente a grandiosa arquitetura musical do Concerto nº. 3 para piano e orquestra de Beethoven.
Martha Argerich, no máximo da criatividade expressiva. Tenho dificuldade em descolar desta interpretação, embora conheça outras, de qualidade.
As análises valem o que valem, os juízos de valor idem; podeis ler muitas e diversas opiniões, consultando a Internet.
Para mim, este concerto tem algo de revigorante. Tem a capacidade de me fazer olhar para as coisas com otimismo e com o sentido do relativo, devido ao seu efeito humorístico.
Como é humorística, de facto, a moldagem da matéria sonora, nesta obra! Há uma sucessão rápida de temas, no primeiro andamento, mas isso não me soa a extravagante, ou a demasiado extrovertido.
Imagine, o leitor, que estivesse a assistir a um filme*: A atenção do auditor é desviada de um para outro plano, de um naipe da orquestra para o solo de piano, e vice-versa. O mais espantoso, afinal, é que não se trata de um mero exercício virtuosístico.
Diz-se que a grande arte é a que parece muito «fácil»: É, de facto, o caso deste concerto, um condensado de energia telúrica, de otimismo e surpresa, do princípio ao fim. Liszt escreveu este concerto ao longo de 19 anos, só o dando a conhecer ao público na estreia,em 1855.
Portanto, não se deixe distrair: Oiça os cerca de vinte minutos deste concerto, com concentração total. É um bom tónico, excelente para relaxar músculos demasiado tensos, para infundir otimismo e afastar ideias deprimentes!
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Liszt compôs esta obra várias décadas antes do aparecimento do cinema.
Estes três compositores lendários nasceram no ano de 1685:
A herança deles três perdura, sendo obrigatório na aprendizagem dum instrumento de tecla (piano, cravo, órgão) estudar e praticar regularmente peças destes três compositores do Barroco.
A linguagem musical que transparece nestas amostras não é muito diferente uma da outra. Embora cada compositor, com o seu génio, imprima o caráter inconfundível de sua personalidade nestas e noutras peças, a verdade é que todos eles «falavam o mesmo idioma musical».
Note-se que a época - cerca de 1700 a cerca de 1760 - foi de grande cosmopolitismo na Europa (apesar das guerras). A dominância da ópera italiana foi-se acentuando, assim como a tendência para se fixarem a forma sonata, a forma concerto e a forma suite (sequência de danças estilizadas). Domenico Scarlatti foi importantíssimo na codificação da sonata bipartita. Bach foi importante em forjar a síntese do concerto italiano, francês e alemão e Haendel adaptou ou criou formas e estilos ao gosto e temperamento dos britânicos.
Houve mais músicos barrocos de génio como Vivaldi e Rameau, por exemplo. Mas, no conjunto da Europa havia convergência e assimilação natural dos estilos das várias regiões.
Habanera*, excerto do The French Album, por Jorge Federico Osorio
O álbum vale pela seleção criteriosa das peças de compositores franceses do virar do século XIX, para o século XX (Gabriel Fauré, Claude Debussy, Emmanuel Chabrier, Maurice Ravel) com uma incursão no século XVIII (obras de Rameau); e vale também pela interpretação límpida, sem concessões, pondo em relevo a poesia encerrada nestas partituras.
